至爱梵高·星空之谜

在传记电影，或是在动画电影中，有这么特殊的一部电影，先用真人拍摄一遍，再请全世界一百多位艺术家，对着真人拍摄的版本一帧一帧地画一遍。

它就是《至爱梵高》。

这么夸张的工作量也塑造了《至爱梵高》独一无二的视觉表达，每一帧都像梵高亲手的手笔一样，有着运动的线条和冲击的颜色，绚丽、热烈又丰满。

Vincent的艺术表达太独特了，我们常常会怀疑他的眼睛是不是迥异于常人，他的精神世界又是怎样的，我想这些，在电影中就能理解一二。

Vincent在写给弟弟提奥的一封信里说：【One may have a blazing hearth in one’s souland yet no one ever came to sit by it.Passers-by see only a wisp of smoke from the chimneyand go on their way.I dream of painting and then I paint my dream.】【每个人心里都有一团火，路过的人只看到烟。

】《至爱梵高》展现的就是这样恍惚的烟影。

初看名字，都会以为这部电影会是以Vincent为主角的传记。

但看下来，它虽然处处都在讲Vincent，但又处处不在讲，Vincent甚至不是一个主角。

它的视角都是Vincent周围的人，老信使、咖啡店老板娘、船夫、小姐、医生……线索人物是老信使的儿子，他发现了一封Vincent写给弟弟但并未寄出的信，便拜托自己的儿子替自己送出这封信，我们也就跟随他的视角，开始揭开这一个故事。

故事中的人物，有高贵的，有贫贱的，他们对于梵高的评价也褒贬不一。

不断矛盾的信息，不断中断的线索，不断受到的阻碍，一切又像是团团迷雾，将真相包起，将曾经的故事尘封，而不断解锁的过程，却又在冥冥间将其他被忽略的部分锁上了。

曾经以为梵高生前就单纯得同印象里的一样，籍籍无名，甚至连死也无法泛出波澜。

但是我只对了一半。

尽管他是一个那么渺小的人，尽管他是一个那么与世界隔离的人，在众人真真假假的话语中，又支起了一个人物。

每个提起他的人总是那么情绪饱满，不管是同情、褒奖还是诋毁，他都像是一个活在了他人心中的灵魂。

他就像【向日葵】那样，有着生命最为原始的热烈和冲动。

但是孤独与不被理解，又一点一点将他蚕食，他的生命逐渐衰弱，最后变得不安、忧郁，就像他最后一幅画作：【乌鸦群飞的麦田】。

电影中有一句话：【你能明白他为何而活，你就能明白他为何而死。

】但看完了电影，我却更加相信，就算真相被遮上了阴霾，每个人的心中也都有一片明亮的星空，总会有人透过云雾看见。

毕竟，曾经那么渺小的一个人，他的死也曾博得好多与他无亲无故人的泪水，也牵动着许多人的心弦无法复位。

甚至于原本厌恶他的人，在不断寻找追逐他的足迹的时候，也触发了对这样一个人的感怀。

他可能是一个疯子，却又疯狂地爱着这个世界，爱着这个看似没人爱他的世界。

Loving Vincent.

他被生下来，他画画，他死了。

——波德莱尔文森特疯了，大多数下午他的画笔陷入一种色彩的迷乱之中阿尔的早晨在他的眼里五次是彩色的，一次是黑白的以致他常常发现自己一个人坐在星空下面浸入巨大的灰蓝中你知道吗？

七岁的文森特躺在他的床上咳嗽了两次并且也还淘气，像嘴一样瘪着哭泣他找不到那朵种在梦里的葵花夏天的最后日子，黑猫最后一次来过杜比尼花园，只留下了一块温暖的赤色污垢，又是谁的脚步整夜在露湿的阳台下簇簇作响文森特，这么快，血再次从你割伤的右耳处渗了出来在你刚刚粉刷了的黄色小屋子里看，他没有注意到你，也没有人注意到你，耳朵霎那失去的重量你再一次失去了他们，在最后的一天“尽管我们很多年以后能用绝对数不清的美元去衡量麦田里每一株麦穗的重量，但是我们再也找不到你粗糙面孔上熟悉的羞怯的笑，尽管我们再也不能走进画上那座黄色的桥或者单桅船上的孤独风帆……乌鸦再一次从冰冷的城市上空飞过，或者我们仍不明白最后仅仅只是一只遥遥欲灭的蜡烛，”而另一只早已熄灭。

”文森特在一个同样沉闷的下午醒来，他想起七岁以前说过并非真的有意的事“然后呢？

”“你会去英格兰，巴黎，在那里卖画，你还会恋爱，遭到拒绝，丢掉工作后，在一个煤矿当传教士，被解雇，再恋爱，再遭到拒绝，成为艺术家，和一个妓女结合，画了800幅画，在普若旺斯变疯，在医院住上一年，37岁时自杀。

”“我的画能卖出去吗？

”“一幅!” 在他们的世界里，经常有这样的幻觉出现：哭泣的，抱着头的女人播种者，割草的少年，吃马铃薯的人那些在黄昏最后的光亮里慢慢消失的老人太多被盐深深渍透的面孔……在那一片葵花被犁过的田野上文森特捡出了最初的七朵或是十三朵在他可能拥有的神话里，像海一样像泪水刚刚涌满潮湿的眼眶一样葵花数完了。

这记忆中的盐池如此多的咸涩使一个男人在夜晚以前发抖地用双手抓住最后一支画笔明天每一朵葵花将回到自己的家里它们乌鸦似的长脚将在地下伸展开来，这些冻得发抖的葵花啊在阿尔一间倾斜的小屋子里一朵朵葵花挤进同一个深深瞳孔我看见金黄色的花瓣成片剥落文森特手捧花束，他又看见什么就在这里我们听到最后的一声枪响，而所有的乌鸦惊叫着从麦田上空消失，最后的秘密还在乌鸦的飞翔里继续繁殖“我想说，我不是什么怪人……”他在我们的黄昏里最后说到：“别让上帝遗弃我们……”“是的，死亡一直都在，文森特，你会穿着黑衣，坐着明天的四轮马车离开一同坠入大西洋黑暗的海底……”在七月，我们每一个活着的人都会爱上一个死去的男人静静聆听地狱深处最真切的歌唱在此期间，每晚我都被干渴和失眠困扰着像是一个不停寻找住处的情人在她们的面前就像是个小孩我都会不顾一切地首先想到你文森特文森特，但是不久你便随着我的身体腐烂了

《至爱梵高》在朋友圈刷了半年了，这两天连朋友圈中的广场舞界前辈都开始刷电影票了，突然感觉事情好像正在起变化。

对我来说，这部片子的high点都已经过期，无论是梵高，还是油画动画。

所以我一点也不关心它是不是一部好片。

专业挖动画祖坟100年，干脆来说说《至爱梵高》这部动画的动画技术。

“15个国家，125个画家，3周课程训练，4年多制作时间，65000幅油画作品”。

如今苦情已经是动画电影宣传的主基调，听起来确实像一个传奇。

其实这些数字无非复原了一项80多年前的动画技术——动态转描（Rotoscope）。

动态转描（Rotoscope）是一种动画师根据真实拍摄素材，逐帧地追踪绘画真实运动的动画技术。

最早的动态转描技术是把预先拍好的电影素材投放到毛玻璃上，然后动画家逐帧将其描绘下来。

这个投影仪被称为动态转描机（Rotoscope）。

原理有点类似于胶片放大机+拷贝台。

对于《至爱梵高》简单说，就是先拍一部《至爱梵高》的真人电影，演员、摄影、灯光、服装道具，一切都以电影的标准，直到剪辑完成。

然后再开始动画制作，请全球画师进行一次梵高模仿秀，把照片画成绘画，不知道有没有我国的大芬村画师加入。。。

关于动态转描，最早可以追溯到刚刚发明动画电影的迪斯尼时代。

第一次尝试在电影中，是1937年的《白雪公主和七个小矮人》。

1941年万氏三兄弟创作的中国第一部长片动画《铁扇公主》，也是完全沿用了动态转描技术。

动态转描并不是先进的技术。

只是作为手绘动画的学步车出现。

在那个时代，手绘赛璐璐技术才刚刚被发明，那也是当时唯一的一种动画制作技术。

这种技术需要画师完成逐帧动画绘制。

但那个时代还几乎没有画家可以完全凭想象娴熟的捕捉动态。

所以动态转描技术（Rotoscope）就像儿童学步车一样，成为一种辅助画师捕捉动态的技术产生。

电影是一秒24帧照片，（完全）动画是一秒24帧绘画。

是动画师借用电影拍摄辅助动画的制作，想必在当时是最尖端的高科技。

这么看，《至爱梵高》这部动画中的动画，说白了就是骑着学步车的动画。

动画在这部电影中更像是流水线上的一门工艺。

有人甚至称之为“人肉滤镜”。

在这个动辄人工智能、大数据的P图时代，一个滤镜还需要125人？

4年？

65000张画？

Are you kiding me？

没用过Instagram吗？

去西二旗划拉俩个码农一星期不就编出来了？

对于他们来说，可能一旦演员有参与动画，就会丧失对于动画的神秘感。

动画显得过于匠气。

这是来自内行的一种偏见。

其实近年来利用动态转描制作动画的情况并不罕见，另一个例子，来自于岩井俊二《花与爱丽丝杀人事件》，同样也是用动态转描制作的。

制作方式与《至爱梵高》相似。

因为他的咖位，甚至会请到苍井优等一线明星参演。

经过动画师动态转描制作后，演员除了声音连他亲妈都不认识了。

在《花与爱丽丝杀人事件》之前，还尝试过另外一部由三部短片组成的系列动画《城镇青年》，《初闻海潮香》、《为这遥远的路程》、《读你的梦想》。

动态转描对于岩井俊二明显出于无奈，因为本人不会画画，更别说动画。

但实拍导演出身的岩井俊二，对于表演的认识与动画师不可同日而语。

动画的表演来自于动画师的绘画，对于动画来说，动画师是演员。

而动画的表演其实是过于程式化的，比如外化的表演，大动作，夸张，弹性等。

科班出身的动画师普遍受此训练。

他们不会表现细腻的动作，像是微表情，更谈不上表演状态。

岩井俊二的动态转描来自一个真实的演员，为动画人物赋予了人的的灵魂，而不是一个凭空捏造的空心的灵魂。

人的表演是直接的，是由心而发的，而动画是间接的，动画师对于表演有一个二次创作。

终究只能是表现主义的表演。

排斥动态转描的人，实际是排斥演员对于二次元的侵犯。

但是放下一种对于动画的执念，会有另一种感觉，动态转描让动画有了人的味道。

动态转描对于《至爱梵高》的另外一重意义在于，他让油画变成了一种动态的肌理。

从第一个镜头中的星空开始，而当梵高稚拙的线条和浓烈的颜色动了起来，一种奇特的视觉趣味便升腾起来了。

动画原来抛开了故事、抛开了美术设计，仅仅让画动起来，就足以成为一种奇观。

动画本体语言的力量出现了。

Animation这个词根的意思就是赋予某物于灵魂。

这其中本来就有一种创世感。

《至爱梵高》那125位画家究竟能不能换成两个西二旗码农？

这似乎在问，机器究竟能不能代替人？

梵高的绘画是从心出来的，绘画是通过心、眼、手笨拙的劳作，才会给绘画注入精神力。

动态转描是一种人的集体劳作，每一帧手绘灌注微量的精神力，就可以汇聚成强大的能量，让电影的时光看起来是温暖的。

这也是动画最朴实的本体性。

动态转描在《铁扇公主》还是一种孩子还没长大的无奈。

《至爱梵高》却是一种主动选择，让梵高绘画活起来，好像也让梵高重新活过来了。

这与滤镜不可比。

中国动画的技术达尔文主义。

中国动画工业对于技术的态度是一套丛林法则，优胜略汰。

一门新技术必将代替旧的技术。

三维动画代替二维动画，VR动画代替三维动画，这样的话听了太多。

我们太看重技术。

同时我们又不珍视技术。

我们曾经发明过水墨动画技术，剪纸动画技术，而电脑技术一来，对于这些微观的技术统统变成了垃圾被完全抛弃了。

这种技术达尔文主义，其实只是一种模仿思维。

艺术是一个个细枝末节的技术创造的，作为艺术的技术可能不是拿来就能用的。

在三星和四星之间纠结了很久，最后凭深厚的感情来对它严格要求，还是三星。

概念伟大，完成度3.8星，故事二星。

在概念伟大的强烈情感共鸣下，看到太多电影技术上不足：1.影片很明显能看出是由三种技术制作的：手绘油画、真实拍摄加后期油画效果处理、前两者结合（背景是真实油画、前景是人物实拍抠像加油画效果处理）。

这种技术首先没什么问题，不算偷懒，但由于三种风格呈现出来的差别太过明显，导致观影上的割裂感受很强，以下几条详述。

2. 油画模仿原作部分，笔触豪放不羁，神还原梵高原作，画面动起来的时候令人目眩神迷，基本全是风景画，也是预告片用得最多的镜头。

而当人物和叙事出现的时候，绘画风格就变了，笔触细小了很多、光晕变化风格完全不同，能看出很明显演员表演、“油画效果滤镜”既视感。

这个在所有黑白和彩色的叙事画面上都能看出来，黑白画面尤为明显。

第一条所说的第三种手法，明显能看出背景来自真实手绘、前景人物来自实拍抠像，非常出戏。

人类对自身面部表情和身体肌肉的观察度就很敏锐，我和一起看电影的朋友都从“油画效果滤镜”里认出了认识的演员，观影过程中不断在说“这一看就是谁谁谁演的”。

3. 再说这三种风格制作，有几个共同的小毛病。

根据影片整体处理不难看出主创想表达的梵高式油画风格是贯穿全片的，不是油画和木炭画、别的画相结合，也不是油画和真实拍摄相结合。

那么在这个极高的概念和极伟大的致敬下，对油画风格的艺术处理就显得不够精致严谨。

我看到了不统一的笔触、太过随意没有标准的笔触运动规律、最抓眼球的光点闪烁运动运用得太过随意，甚至还看到了多次人物抠像的周围一圈油画背景上有明显的处理痕迹。

经常在同一个布光的场景下，人物或物体身上的笔触运动时有时无、时冷时暖、时粗时细、时动时静、抠像痕迹时隐时现，有很多美丽的变化不是因为布光的运动或人物动态造成的，而是纯粹的“为了动而动”，在我一个视觉工作者的职业病眼里简直是不能忍的乱动！

这与梵高作品的伟大 — 目眩的抽象中蕴含着真实的具象 — 大相径庭。

4. 限于要将真实拍摄转换成油画质感的概念，为了能达到“整一帧都像一幅画”的效果，导致叙事画面里的景别非常有限，这让90分钟的叙事显得单调无力，尤其这故事看得出来还有探秘、探案、悬疑的诉求。

每当有人物出现的时候，本来就是对白推动剧情了，景别却又只有两、三个，令观众看得十分疲劳无聊。

影片后半部尤为明显，人物对白一出现景别就变成了情景剧式的三机位，而对白本身却又不够精彩抓人，让被影片带动着而期待层层剥茧找到真相的观众开始昏昏欲睡。

5. 上面一条的“疲劳感”看到很多短评都提到了。

其实叙事的孱弱、技术的纰漏、滤镜效果的穿帮这些都不是一个伟大艺术概念的绊脚石，但却是一部完整电影的完成度丢分项。

试想一下，如果主创大胆放弃“完整电影”的大野心和小算计，把它制作成30分钟内的短片，我们看到的作品该有多惊艳！

浓缩了真实油画的冲击，减少了滤镜式效果的割裂和絮叨，叙事紧凑、欲说还休、结局开放！

想想就非常激动。

6. 剧情的拖拉和对于悬疑手法的不合理运用很多影评都提过了，我不够专业也不赘述了，综合到上一条里，一切迎刃而解。

7. 站在梵高作品的高度，他不需要世人的怜悯和追思。

当后世人对他致敬时，创意的大胆和表现手法的颠覆，远比现在模仿的画风和好奇宝宝走访探案的剧情来得更珍贵、更“梵高”。

故作严格地写了这么多，其实我在影片结尾Vincent响起的时候也流泪了。

作为美术出身的电影爱好者，情感的敏感和充沛让我深刻理解梵高、也愿意严肃对待艺术类作品。

日本电影大师黑泽明曾在80岁高龄拍出了《梦》，这部电影由八个短片构成，像是导演在晚年时所做的八个梦。

这些梦境虽然有着不同的人物和主题，但冥冥之中又有着千丝万缕的关联。

它们几乎都无一例外地展现了梦境的主人公——抑或是导演本人——对于生命的回望和眷恋。

梦 (1990)8.71990 / 日本 美国 / 剧情 奇幻 / 黑泽明 / 寺尾聪 倍赏美津子在这八个梦境之中，其中一个讲述的便是“梵高之梦”。

镜头跟随着一个青年缓缓移动，展示着梵高生平的一幅幅经典画作。

接着，他戴上帽子，背起行囊，就像是受到了梵高的指引，走进了他的作品之中。

而我们观众，也跟随着镜头一起，伴随着悠扬的古典音乐，进入到了那个奇妙的影像世界。

黑泽明早年热衷于绘画，未能成为画家也许是他人生未达成的一大遗憾，但至少他对于电影正如梵高之于绘画，有着满腔的热血和激情。

他曾说过：“我，减去电影，等于零。

”或许借由这样一个短片，他也从自己的角度向这个疯狂的艺术家进行着一种致敬和缅怀，在他看来，梵高正是那个“减去绘画”就“等于零”的伟大天才吧。

也许是梵高的一生太短暂又太神秘，以至于后世留下的那么多关于梵高的影视书籍作品中，所有人都在试图揣测或再现这个天才在生命临终前所发生的那一场意外。

一个悲剧性的人生加上一个宿命式的悲剧结尾，一个不被人赏识的天才画家最终因为内心的抑郁和逃避选择结束自己的生命。

这个故事被欧文·斯通写进了他的畅销小说《渴望生活》中，这么多年过去了，这个令人“满意”的自杀结尾也早已成为了梵高传奇人生的一部分，载入了历史，可后来的许多证据都在质疑这一论述的可信度。

然而我们没有时光机，历史真相究竟如何也已无从确认，我们只能从所有留下的资料中去努力拼凑出一个相对完整的梵高，或许这也是所有人对于他的一生如此好奇与痴迷的一大原因吧。

渴望生活9.1[美] 欧文·斯通 / 2008 / 北京十月文艺出版社

在电影《至爱梵高·星空之谜》中，虽然也采用了这样的结局，不过与之前几乎所有关于梵高生平的作品不同的是，这部电影是编剧第一次在银幕上对梵高究竟是“自杀还是他杀”进行了一番探讨和解读。

从这个角度来说，这部作品也与以往的那些作品在气质上有着很大差异。

而本片最大的特点，就在于它的呈现方式。

它是全球首部全手绘油画动画电影。

这部影片不仅于今年6月在素有“动画界奥斯卡”之称的法国安纳西国际动画电影节上获得了观众票选奖，更是在今年的上海国际电影节中获得了最佳动画大奖。

而它之所以能够在全球范围内引起如此大的轰动，不仅仅在于它是对伟大艺术家梵高的一生的又一次回顾，尤其是对它那富有争议性的死亡的一次探索；更主要的还是在它那极富创造力的艺术展现形式上。

2015年正值梵高诞辰125周年，为了纪念这位昔日的天才画家，影片导演Dorota Kobiela力邀曾获奥斯卡奖的Breakthru Films团队一起创作，历时七年打磨，最终创作出了这部影片，为梵高献上了一次别样的“致敬”。

作为一部梵高的传记片，影片围绕着调查“梵高之死”的真相展开叙述。

为了真实完美地展现影片的艺术风格，制作团队在全世界找了15个国家的125位画家，很大一部分来自波兰。

他们深入调查了梵高生前的800封书信，一共画了65000张油画，然后以12幅/秒的速度叠加完成了这部油画电影作品。

也就是说，我们所看到的电影中的每一帧，都是一幅精妙绝伦的油画作品。

导演称，之所以摒弃了CG技术和2D动画等方式而选择油画动画的呈现方式，是因为梵高的画作本身就有一种“流动感”。

而艺术家们的集体作画，也在最大程度上与梵高作品的风格保持了高度一致。

我们可以看到他那些脍炙人口的作品在电影中如同“活过来”一般，栩栩如生地在观众眼前铺展开来。

通过这种最为原始也是最为直接的展现方式，导演希望对梵高献上一次完美的致敬。

影片以阿尔芒·鲁林的视角展开叙述，他是梵高的好朋友——邮差约瑟夫·鲁林之子。

在梵高去世之后，他受到父亲的委托，需要把一封梵高生前写给弟弟提奥的书信亲手交给他。

其实历史上并没有存在过阿尔芒“送信”一事，而在电影中，阿尔芒却透过生前与梵高有过接触的各种人物之口，向观众逐渐拼凑出一个完整的“梵高之死”。

他从一开始对于这一任务充满抵触，到最后的“也想为了他做些什么”。

这一过程中的转变，与其说是梵高的人格魅力打动了他，倒不如说是导演借由他的视角，对于梵高生前的最后一段时光进行了一次短暂的回顾，并对最终的那件意外进行了重新的解读。

影片淡去了梵高的弟弟——提奥的视角，我们并未从他的口中得知他的哥哥是一个什么样的人。

而梵高本人也只是出现在回忆的场景中。

影片采用插叙的方式进行讲述，现实世界中的彩色画面和人们回忆中的黑白画面交替出现，产生了强烈的对比。

色调的差异一方面烘托了影片的整体氛围，同时又不断给之后的剧情埋下伏笔。

即便是观众早已知道了结局，但仍能感受到影像的独特质感，并被代入其中。

在电影中，静止的颜料和色块在镜头的注视下突然拥有了自己的生命，观众们甚至可以感受到梵高的作画过程。

随着他画笔的翻涌跳动，笔尖下的颜料也仿佛被注入了灵魂。

瑰丽明亮的色彩喷薄而出，无序但又充满力量。

就像是他的内心，他的广阔和混乱，他的不安与疯狂，都化作了镜头下的一帧帧画作，从模糊到清晰，既突兀又自然，在观众面前徐徐流淌。

在这部电影中，绘画艺术和电影艺术两种不同的艺术形式却形成了完美的融合，展现了惊人的呈现效果。

而除了那些手绘的油画作品以外，影片同时也请来了多位演员，先由演员在绿幕前表演，进而制成动画，再由画家们绘制成油画作品，过程相当繁琐。

演员们的精彩表演，同画家们细腻的笔触一起，为这部影片中的人物赋予了鲜活的生命。

而片名《Loving Vincent》，则是来源于梵高每次与他弟弟通信的信件结尾落款。

他的弟弟提奥，同时也是他的伙伴与知己，更是他绘画道路上坚定的支持者和资助者。

梵高的一生孤独而窘迫，经常因食不果腹而到了走投无路的地步。

即便如此，他仍踌躇满志，希望有一天通过自己的努力回报弟弟对于自己的悉心资助。

影片以两封书信结尾，一封是梵高写给提奥的书信，记录了他作为一个艺术家旅程的起点；另一封则是提奥的遗孀乔向阿尔芒寄来的感谢信，信中同样记录了梵高的一段对于死亡的独白。

或许从这两封简单的书信中，我们可以窥见梵高的一部分真实内心，他的乐观与迷茫，他的孤独和憧憬，他的渺小与伟大。

也许所有的文字都难以描绘他所经历的苦难，但至少他笔下的颜料能够不断跳跃舞动，不断渲染开来，化成那夜空中闪烁的明星。

歌曲《Vincent》中有一句歌词是：“this world was never meant for one as beautiful as you.”是啊，这个世界根本配不上一个如你般美丽的人。

众生的喧嚣在你的痛苦面前不值一提，而你的沉默，一如那燃烧的向日葵，明艳夺目；又如那璀璨的繁星夜空，梦幻迷人。

向日葵

星空 原文发表|后窗 公众号（ihouchuang） 正文有少量修改，原标题有改动。

注：基本借题发挥。

那个男人两手空空；他双手捂住腹部，那里有一处新的枪伤，还在渗出鲜血。

他是文森特·梵·高，死时籍籍无名，如今却已是举世闻名的大艺术家。

The man was carrying nothing; his hands clasped to a fresh bullet wound leaking blood from his belly.This was Vincent van Gogh, then a little known artist; now the most famous artist in the world.这是《至爱梵高》这部电影的官方网站里，在梵高的生平介绍中写到的两句话。

我们都知道讲述梵高生平的作品不胜枚举。

他或许不是世上最伟大的画家，也不是世上最不幸的画家，但若要将两者结合，少有人曾拥有过这样大起大落的人生。

他的才华在在世时被埋没，而他的荣光如今只能堆于墓前。

没有谁比他更适合被搬上银幕了。

而与所有的前作相比，《至爱梵高》的最大贡献也正是在于，让梵高的画在银幕上动起来了。

虽然影片中用到的画作并不来自梵高的原作，而都是其他画家的复刻和再创作，但对于大多数观众来说，这大概也是微不足道的差别。

即使是剧情的薄弱，也并不能掩盖这部电影在艺术形式上的惊人。

这当然是一项创举，毕竟，再也没有什么能比梵高本人的作品，更好地解释他自己；也再没有什么能比电影这项载体，更能体现出形式的美了。

影片中的每一个角色，都是真实出现在梵高生活中的人，甚至也都成为过他的缪斯，有幸活在他的画作里。

剧组找到了一班真人演员，其中不乏西尔莎·罗南、艾丹·特纳之类大咖，对他们进行动作捕捉。

在官网上，你会发现，每个人都有一句自己的判词。

赶鸭子上架的侦探：我不明白给一个死人送信有什么意义。

苦苦挣扎的画家：总有一天，我要用我的画作告诉全世界，这个没人在乎的小人物，内心燃烧的是怎样的火焰。

古怪的医生：两周后，我坐在他的床边，他奄奄一息，对我说了唯一一句话，也许这样对大家都好。

善变的医生之女：人们总觉得乡下没有秘密。

那肯定是别的女孩。

耳聪目明的船夫：你能在这里捕捉许多生命，如果你抓得住我的激流。

看到这样一部作品，我不禁问自己，这会是一个新的开始吗，这之后我们会看到更多更棒的油画动画吗？

无论是梵高，还是许多其他同样惊人的艺术家，关于他们的影史佳作依然屈指可数，他们的画作、他们的生平，都值得被搬上银幕，也值得被仰望和纪念。

但其实，让梵高的画为自己发声，这个创意早在1948年阿伦·雷乃就已经实验过了。

他将摄像机对准了这位大画家的画作，从头到尾都是如此。

作为处女作的锋芒，和梵高的画作一样让人屏息。

不幸的是，这却是一部黑白纪录片。

对于梵高来说，他最令人神往的，其实正是极具想象力的笔触，和永远好像在燃烧的色彩。

这些都无法在纪录片中体现，可以说是巧妇难为无米之炊了。

《至爱梵高》的剧情基本取材于梵高生前的800封书信，而它们又大多来自于梵高与弟弟提奥的通信。

这一创意并非没有先例，BBC拍于2010年的纪录片《梵高：画语人生》就旨在替梵高发声，影片中演员说出的每一句话，都来自当年本人的书信。

这也使得这部纪录片被赋予了更为珍贵的意义。

看过《梵高：画语人生》之后，你会发现，梵高本人言辞之锋利和优美，几乎可以和他的画笔媲美。

纪录片中梵高的扮演者，本尼迪克特·康伯巴奇，此时还没有因为《神探夏洛克》而收获巨大的名利。

他在英国的小圈子里摸爬滚打十年，甚至还曾从南非高速公路上一场颇为惊险的抢劫中侥幸逃生。

郁郁不得志是什么滋味，想必他也深有体会。

但好在天道酬勤，他在影片中的表现，至今也无可指摘。

不仅展现出了高明的台词功底，而且他所扮演的梵高，一个孤高、狂傲、极富侵略性、不被旁人理解、几乎为天赋所扰的天才，在此后的演艺生涯中，似乎也被无数次重演。

《至爱梵高》讲述的是梵高去世前六周，住在法国小镇奥维尔里的拉乌旅店，直至他走到生命尽头的故事。

莫里斯·皮亚拉的《梵高》，同样也是截取了艺术家在生命中最后67天的经历。

这部出自法国名导之手的《梵高》虽然提名了金棕榈，但也是其改编作品中，颇具争议的一部。

因为这部电影里的梵高，完全就是一名普通人。

他寡言少语、冷酷自私、流连于妓女和少女的肉体之间，并不是我们印象中与世隔绝、为艺术而狂热的画家。

影片节奏缓慢、也没有太过丰富的剧情，几乎可以看作是一部十九世纪法国乡村生活实录。

正如剧照中所看到的那样，梵高的乡村生活是黯淡和平实的，好像永远隔着一层雾蒙蒙的灰尘，唯有他的画作依然如此明亮。

如果将《梵高》和《至爱梵高》进行对比的话，你会发现，同样一段经历，里面的人、事、物却呈现出了完全不同的状态。

这种微妙的感觉，就好像是流连在不同的梵高宇宙当中，看着不同的梵高，在同样的境地中做出不同的选择，最后却走向同一个终点。

那就是死亡。

我是先看过《至爱梵高》之后，反过来再补了一遍皮亚拉的《梵高》。

很高兴自己选择的是一个这样的顺序，如果反过来，大概会有更强烈的“曾经沧海难为水”之感。

《至爱梵高》就好像是梵高的爱慕者献给这位画家的一封情书。

影片开始于梵高死后，一个年轻的邮差，以为他送信为由，回到他生前住过的最后一个地方，奥维尔里的拉乌旅店，并且与每一个与他接触过的村民聊天，试图找出他死亡的真相。

每个人都有可能是凶手：嫉妒梵高才华的医生，持有枪械并且似乎不太好相处的旅店老板，举止轻浮的富家公子，以及突然出现在麦田里的疯子。


邮差与其说是在和他们聊天，不如说是从他们的嘴里，挖出一块块逝者的碎片。

他在缅怀那个逝去的人，也在对这些漠然的旁观者做出一次迟来的审判。

每一个在梵高生前冷落他的愚人，在他死后都追悔莫及。

人人都爱梵高，人人也都错待了梵高。

《至爱梵高》几乎接近是一部侦探电影，正如邮差的标签是“赶鸭子上架的侦探”，但他也在不知不觉中，深深地爱上了梵高。

他是在故地重游，也是再一次唤醒那个沉睡在金色麦田下的幽灵。

正如这部电影的全部意义，“纪念”梵高。

到最后，创作者提出了一个新的理论：梵高并非死于自杀。

毕竟，一个生机勃勃、正处于创作力最旺盛时期的37岁男子，为什么会选择中断自己的艺术生涯呢？

他们宁愿相信梵高死于善意，就好像耶稣一样，温和地包庇世人的错。

然而，这样一个论调最终只能是语焉不详的。

正如片中西尔莎·罗南的角色所说的：“你总想知道他是怎么死的，但是你知道他死前是怎么活的吗？

”邮差无法知道。

因为梵高已经死了，而且已经死了太久。

在他死前，他也是错待他的许多人中的一员。

好在这也并不重要。

这场大费周章的死亡调查，只是为了让梵高再活一次，为了让他被供上更高的神坛。

影片最后的落脚，也并不是真相，而是对他的爱。

迄今为止，依然唯有皮亚拉的《梵高》解释清楚了一个问题：艺术家为什么会去死。

在《梵高》中，他的死亡几乎可以说是毫无征兆的。

上一个镜头，他还在仔细地擦拭身体、对着镜子刮胡子；下一个镜头，你就看到这位瘦削的男子捂着流血的腹部，跌跌撞撞地从麦田中走来。

在此之前，他还和爱慕他的少女共同踏上一辆火车。

她年轻貌美，是一朵含苞待放的花。

摘取这样一颗芳心，大概是所有中年艺术家最值得夸耀的作品，连维斯康蒂也不能幸免。

所以他才在《魂断威尼斯》中沉溺于少年形貌的美，所有的哲学、艺术、成就，都被他抛在脑后。

他心甘情愿对塔奇奥俯首称臣，亲吻他的脚尖。

但梵高却并非如此。

他依然喜怒无常，在这样一个最幸福的时刻，抛下那个快乐的少女，独自坐在窗边沉默。

那一刻，在那辆呼啸而去的火车上，没有人知道他在想些什么。

就好像他已经被生活磋磨得太久，在俗世的爱恋和欲望中沉沦了太久，但他依然知道，他并不能从这些事情中获得满足。

他看起来多么快乐，实际上就有多么不快乐。

但他只能沉默，除了捡起画笔，只有沉默。

虽然这一版本的《梵高》看似将这位大画家拉下神坛，将他描述成一名十足的平凡人；但是写到这里，我好像也突然明白了为什么他会选择自杀。

我第一次理解并且认同了他的选择。

我理解了他开向自己的那一枪，我理解了他躺在病床上的奄奄一息，我理解了他断然割舍这世界的一切羁绊，爱他的弟弟，爱他的少女，以及本该爱他的世人。

因为这些都不属于他。

他将自己献祭给艺术的神坛，所以俗世的一切幸福与不幸，都不再属于他。

那一团心头的火，已经将他烧成了灰烬。

梵高，大众的“人血馒头”。

不知道为什么这部片子评价这么高，很多善意的朋友早在一年前就给我发来介绍。

我一开始就是质疑甚至反感的。

这是要做什么？

一股投机味扑面而来。

直到铺天盖地的宣传，什么上百位画家艺术家（大家好，电影里的画面不能算艺术家画的），花了多少年，某某获奖，啥啥制作团队……请大家明鉴，凡是在看完电影前的标签大多是耍流氓的行为。

为了吸金，也就体谅体谅不用中招。

但我不得不用专业的眼光看，这样的画面是残次的，故事是很难及格的。

电影的形式语言严重阻碍了内容的表达，兄弟，什么叫词穷，什么叫词不达意，你都做到了！

关于影片的结构和文本，不是我的专业，我就不多做赘述，我相信你的直觉也会觉得片子的逻辑和叙述是欠妥的。

毫不留情的说，这部片子只有苦劳。

（我亲眼看过朋友做油画动画，那真是苦啊！

）梵高的好在于他有那个独一无二的生命在，任何想要复制他风格和笔触，样式，甚至造型理论的，都将过犹不及，适得其反。

梵高的画是静态的，油画是静态的，那些笔触只有在静的时候才是“会动的”，一旦开动，旋转变化起来，这对我个人的审美来说是一场灾难。

花里胡哨，杂乱不堪，天花乱坠，完全失去了敬意，忽略了梵高画中的平整与安静的制衡，梵高看了估计会很尴尬的，甚至不同意这么乱来的，毫无抽象美感。

只有一些标签风格得堆积。

从专业语言分析，一看就知道这个导演是个油画门外汉。

整部片子的主要语言节选了梵高后期，也就是巴黎受浮世绘影响之后，把对立体的追求弱化，追求平面化的形式语言，简而言之就是2D化。

你甚至找不到光源和阴影，只剩下轮廓和颜色，只是颜色上不是平涂，使用了一些当时的光色色彩理论，特点是非固有色化，且运用补色使色彩和谐。

而电影中凡是借鉴原镜头的画面，都采用了梵高的原本语言，但只要是电影原创的镜头，尤其是拍摄转化成拙劣油画风格的那些黑白镜头，非常尴尬地把油画电影这个噱头弄得低级不堪。

很多故事情节被画面限制住，平面还是纵深？

这是一个很难调和的矛盾，导演竟然对此无感吗？

作为钟爱梵高的粉丝，我是不同意这么“消费”梵高的。

这不是“梵高”，梵高已经死了，躺在奥威尔的坟墓里。

这只是梵高的投影，在人心中偶像的功能放大和曲解罢了。

这是一场对梵高的消费，对还活着热闹着的“文森特梵高”这个大IP的消费。

梵高是怎么死的？

自杀？

他杀？

电影里说反正他死了，怎么死的不重要了。

言外之意，我不怀善意的说，重要的是你们怎么消费他，怎么有条理地误解他，怎么借着梵高为自己的命运留下第二滴眼泪。

这是对梵高的不尊重，说严重了是一种顾客就是上帝的心态，梵高只是给你进行精神按摩的服务员罢了。

按摩你的不得志，按摩你对死亡的暧昧态度，按摩贫穷与财富之间带来的张力。

梵高无疑是这个世界上最有名最贵的画家，除了毕加索，没有一个人像他那样有好几个自己的博物馆，除了达芬奇，没有像梵高这样驰名天下的。

所有出版商以拿到相关梵高的内容而欣喜，it must be the best seller!所有顶级博物馆都以收藏他的作品为荣，凡是有关他的周边产品都会成为best-selling。

我不知道如何去统计“梵高”这个穷光蛋，在他死后百年里创造的“生产总值”，我猜应该比苹果亚马逊还要惊人，而且经久不衰吧。

梵高幻化作一座偶像，像阿波罗主管太阳，雅典娜主管智慧与战争，维纳斯主管爱与欲望……仍然活在人们心中的“梵高”主管的“失意的人生”和“委屈的苦难”，“早亡的怜惜”。

而今生的不得意和命运的悲剧感，不正是大多数人的所共鸣的吗？

这种共鸣塑造了梵高的形象。

而梵高怎么看？

答案在风中飘动。

可能有人会觉得这样的论断是不中庸的，我也同意，我的本意也不是诋毁这部片子，只是想提供自己的并不全面的视角，给一个参考的角度。

总之，我宁愿去九十次梵高博物馆，在梵高的画面前看九十次，也不愿意再花九十分钟看这部肤浅致敬梵高的作品。

梵高怎么死的，从各种文章和资料中，就目前来看，他杀的可能性挺大的，即便是他杀，凶手和罪证也都消失在历史中了。

后人去追踪这一段故事时，首先遇到的是一团后世解读的迷雾，而这团迷雾，所有有关梵高的讲述，只会离真相越来越远。

人心是一个加工厂，喜爱添油加醋，不喜爱原汁原味。

很多时候，在人们希望的答案和真相中，人们会毫不犹豫的选择希望中的那样，毕竟在没有死亡和失败痛苦威胁下，人们只需要他们想要的，不然，苏格拉底，耶稣都不会冤死。

而现在的新闻推送，信息推送，商品推介，都遵循这条暗昧的人性铁律。

很多时候，我们真不知道缺什么，或者到最后都不知道自己死在什么事上。

真相是害羞的，她永远躲在将及不及之处。

问题是，梵高的命运，会是你的命运吗？

我想起鲁迅笔下的“人血馒头”，专治怀才不遇，命运多舛。

梵高，大概就是这样一个地梵高，大众的“人血馒头”。

不知道为什么这部片子评价这么高，很多善意的朋友早在一年前就给我发来介绍。

我一开始就是质疑甚至反感的。

这是要做什么？

一股投机味扑面而来。

直到铺天盖地的宣传，什么上百位画家艺术家（大家好，电影里的画面不能算艺术家画的），花了多少年，某某获奖，啥啥制作团队……请大家明鉴，凡是在看完电影前的标签大多是耍流氓的行为。

为了吸金，也就体谅体谅不用中招。

但我不得不用专业的眼光看，这样的画面是残次的，故事是很难及格的。

电影的形式语言严重阻碍了内容的表达，兄弟，什么叫词穷，什么叫词不达意，你都做到了！

关于影片的结构和文本，不是我的专业，我就不多做赘述，我相信你的直觉也会觉得片子的逻辑和叙述是欠妥的。

毫不留情的说，这部片子只有苦劳。

（我亲眼看过朋友做油画动画，那真是苦啊！

）梵高的好在于他有那个独一无二的生命在，任何想要复制他风格和笔触，样式，甚至造型理论的，都将过犹不及，适得其反。

梵高的画是静态的，油画是静态的，那些笔触只有在静的时候才是“会动的”，一旦开动，旋转变化起来，这对我个人的审美来说是一场灾难。

花里胡哨，杂乱不堪，天花乱坠，完全失去了敬意，忽略了梵高画中的平整与安静的制衡，梵高看了估计会很尴尬的，甚至不同意这么乱来的，毫无抽象美感。

只有一些标签风格得堆积。

从专业语言分析，一看就知道这个导演是个油画门外汉。

整部片子的主要语言节选了梵高后期，也就是巴黎受浮世绘影响之后，把对立体的追求弱化，追求平面化的形式语言，简而言之就是2D化。

你甚至找不到光源和阴影，只剩下轮廓和颜色，只是颜色上不是平涂，使用了一些当时的光色色彩理论，特点是非固有色化，且运用补色使色彩和谐。

而电影中凡是借鉴原镜头的画面，都采用了梵高的原本语言，但只要是电影原创的镜头，尤其是拍摄转化成拙劣油画风格的那些黑白镜头，非常尴尬地把油画电影这个噱头弄得低级不堪。

很多故事情节被画面限制住，平面还是纵深？

这是一个很难调和的矛盾，导演竟然对此无感吗？

作为钟爱梵高的粉丝，我是不同意这么“消费”梵高的。

这不是“梵高”，梵高已经死了，躺在奥威尔的坟墓里。

这只是梵高的投影，在人心中偶像的功能放大和曲解罢了。

这是一场对梵高的消费，对还活着热闹着的“文森特梵高”这个大IP的消费。

梵高是怎么死的？

自杀？

他杀？

电影里说反正他死了，怎么死的不重要了。

言外之意，我不怀善意的说，重要的是你们怎么消费他，怎么有条理地误解他，怎么借着梵高为自己的命运留下第二滴眼泪。

这是对梵高的不尊重，说严重了是一种顾客就是上帝的心态，梵高只是给你进行精神按摩的服务员罢了。

按摩你的不得志，按摩你对死亡的暧昧态度，按摩贫穷与财富之间带来的张力。

梵高无疑是这个世界上最有名最贵的画家，除了毕加索，没有一个人像他那样有好几个自己的博物馆，除了达芬奇，没有像梵高这样驰名天下的。

所有出版商以拿到相关梵高的内容而欣喜，it must be the best seller!所有顶级博物馆都以收藏他的作品为荣，凡是有关他的周边产品都会成为best-selling。

我不知道如何去统计“梵高”这个穷光蛋，在他死后百年里创造的“生产总值”，我猜应该比苹果亚马逊还要惊人，而且经久不衰吧。

梵高幻化作一座偶像，像阿波罗主管太阳，雅典娜主管智慧与战争，维纳斯主管爱与欲望……仍然活在人们心中的“梵高”主管的“失意的人生”和“委屈的苦难”，“早亡的怜惜”。

而今生的不得意和命运的悲剧感，不正是大多数人的所共鸣的吗？

这种共鸣塑造了梵高的形象。

而梵高怎么看？

答案在风中飘动。

可能有人会觉得这样的论断是不中庸的，我也同意，我的本意也不是诋毁这部片子，只是想提供自己的并不全面的视角，给一个参考的角度。

总之，我宁愿去九十次梵高博物馆，在梵高的画面前看九十次，也不愿意再花九十分钟看这部肤浅致敬梵高的作品。

梵高怎么死的，从各种文章和资料中，就目前来看，他杀的可能性挺大的，即便是他杀，凶手和罪证也都消失在历史中了。

后人去追踪这一段故事时，首先遇到的是一团后世解读的迷雾，而这团迷雾，所有有关梵高的讲述，只会离真相越来越远。

人心是一个加工厂，喜爱添油加醋，不喜爱原汁原味。

很多时候，在人们希望的答案和真相中，人们会毫不犹豫的选择希望中的那样，毕竟在没有死亡和失败痛苦威胁下，人们只需要他们想要的，不然，苏格拉底，耶稣都不会冤死。

而现在的新闻推送，信息推送，商品推介，都遵循这条暗昧的人性铁律。

很多时候，我们真不知道缺什么，或者到最后都不知道自己死在什么事上。

真相是害羞的，她永远躲在将及不及之处。

问题是，梵高的命运，会是你的命运吗？

我想起鲁迅笔下的“人血馒头”，专治怀才不遇，命运多舛。

梵高，大概就是这样一个地球级的“人血馒头”吧，不幸的是，你我都可能是一只梵高尸体上狂欢的蜱虫。

“Maybe we can take death to go to a star. And to die peacefully of an old age would be to go there on foot. For the moment I’m going to go to bed because it’s late. And I wish you good night and good luck with a handshake. Your loving Vincent.”叙事结构自然联想到Citizen Kane。

分析之下，觉得两个人物竟是很相似，永远无法走进、无法理解的内心世界。

这也许是描绘梵高的最好方式之一，生命献给画作，画中人生，形式主义的胜利。

昨天看了是枝裕和的《无人知晓》，梵高的人生也似“生命来去，无人知晓”，留下的是他未见证后世影响。

却有些换汤不换药，影片传达的信息依旧有限。

但这并不“怪罪”于影片本身。

本以为会有更多对于Arles的描写，却意外不多。

OST神来之笔，艺术价（价值）更高。

"In the life of the painter,death may perheps not be the difficult thing.For myself,I declare I don't know anything about it.But, the sight of the stars always makes me dream.Why?I say to myself.Should these spots of light in the firmament be inaccessible to us?Maybe we can take death to go to a star.And to die peacefully of old age would be to go there on foot."——your loving vincent“在画家的生命中，死亡，或许不是最难面对的事。

于我而言，我对此一无所知。

然而，夜晚的星光常常令我做梦。

为什么？

我扪心自问。

难道夜空中的繁星，真的是遥不可及吗？

或许我们死后就会归于星辰。

而平静地离去，不过是踏上一条走向星空的路。

”——文森特·梵高生前籍籍无名，死后人尽知晓；生前潦倒贫困，死后身背盛名；生前成疯癫，世人多耻笑；死后人长叹，岁月何其凉；而生前死后都孤独，一人作画嗅花香，一人仰头向星空。

——致敬，文森特·梵高

三星半。

形式感人，必定是花了很细的心思才能完成的。

角度比较平庸，是围绕梵高一些比较常见的讨论点。

但作为梵高脑残粉，看完一本满足啊！

最后vincent曲调响起，像回忆录一般回顾梵高画中的人和他们现实中的人生，哭花了妆…在我心目中，后人制作的梵高相关的艺术作品，最喜欢的是Doctor Who…