几近成名

感觉很差的说，像好莱坞的青春片，完全感觉不到 什么rock and roll的精神吗？！！

尤其在看完the doors之后。

不明白这部片子为什么当年海报贴的满大街都是，这个kate同学 气质像周迅，不喜欢

青春的，总是好的。

应该说这是一部让我比较喜欢的美国影片，我能体会到导演曾经真真切切地活过这一段时光。

不同于《猜火车》《发条橙》等片的颓废叛逆，《成名之路》的主角其实是一个有些木讷的乖孩子，对于毒品、性爱他不在行，也不感兴趣，他坚持他自己的想法。

同时，他也不是《坏孩子的天空》《莉莉周》或《牯岭街少年杀人事件》中的人物，因为他还是开朗与乐观的。

影片主角的这种定位也决定了影片理智平和的轻喜剧叙事方式。

当然片子是关于70年代摇滚乐的故事，因此当时的一些激进的思潮也难免要涉及到，只是导演在叙事的时候是以一种回顾的理性态度进行的，因此纵观整部影片，总能感觉到叙事者温情的目光。

就是这种不稳不火的中性化叙述，才往往能更深入地折射出青春时代的那份隽永和回顾时的淡淡哀愁。

又想到了另一部法国影片《野芦苇》，也是把青春往事放在一个大的时代背景之中，喜怒哀乐，娓娓道来，在趋向不安的大环境中描写平淡的生活细部，在表面的动荡中求本质的沉稳，平静中让人感受到一种向上的张力。

这里可以听原声，我的电台http://www.lifepop.com/myradio.aspx?castid=85996

在人人向往San Diego无邪的阳光下，在那个充斥着浪漫，执著和梦想的摇滚乐的纯真年代。

究竟是什么隐藏在那些可爱的艺术家背后？

就是在单纯和复杂的交错，无情和多情的揉和中，发生了这样一个悲喜剧。

最后的结局是中性的，然而这种中性决不是平淡，而是泪水和欢笑的中和，一丝无奈换来的那一点安慰。

一个女人中的女人，佩妮蕾恩，一个时刻保持美丽的吉他手，和一个年龄与经历矛盾的少年为你交织了这样一部电影。

正如那个时代的摇滚乐，掩映在憧憬和追求背后的那一点点对世界的困惑。

不妨也像孩子姐姐建议的那样，点燃一支香烟，倒满一杯红酒，在烛光里慢慢品味那种简单却有说不出口的青涩，然后自己参悟为什么一个世故的美人为什么跳入自己编织的陷阱，为什么多情反倒骗取了无情的眼泪，为什么那个充满希望的乐队永远只能"Almost Famous"。

[早就想为这部电影写一些东西，但由于它太过复杂，所以迟迟写不出。

但Almost Famous的确是这样出色的作品以至于我把它推荐给了几乎所有的朋友。

王国维认为一篇优秀的诗词最重要的是意境，其次才是格调和韵律。

其实对我来说，所有的文学艺术作品皆是如此。

所以我喜欢红楼梦中史湘云醉卧芍药圃的那一段。

在电影中也有类似的东西，如judeluo所推崇的蝙蝠侠前传中洞穴里蝙蝠缠身的一幕。

Almost Famous也为我们提供了不少充满意境的镜头和情节，虽然它不够酷，但是真正能够打动人心的确实是这些东西。

下面就摘出我最喜欢的5个场景来做一些简要的分析。

场景1：Still Water成员由于Tshirt事件发生了争吵后，一群人在长途旅行的专用大巴上郁郁寡欢。

这个时候，车里想起了让每个人都熟悉的音乐，于是一个人开始轻轻的跟着唱，鼓手随着音乐拍打着自己的双腿，随后随唱的人越来越多，歌声越来越大，直到它弥漫整个车厢，于是原本僵硬的关系就此缓解。

钱钟书说，在旅行中最能看出一个人的本性。

我们人人都体会过长途旅行带给人们的困乏和疲惫。

对于Still Water这样一个还未成名的乐队，人人都想让乐队能扶摇直上，在这样的愿望中他们彼此依赖。

然而这种依赖又和利益及荣誉的分配不平衡构成矛盾。

然而不管队中发生了不快，一曲很早以前一同唱过的歌在最关键的时刻挽回了每个人的心，所有俗世中的喧嚣完全抛弃脑后，分头扬镳的溪流最终汇聚在共同追求艺术的海洋。

这个也许就是那群感性的音乐者最真诚最可爱的一面。

场景2：由于每个人心底的自私，乐队的灵魂吉他手罗素遭到了其他所有成员的排挤。

本以为一切做得恰到好处的他在绝望中走到了摇滚乐的少年歌迷的party中，喝醉后他指者每一个孩子说：“你是真实的，你也是真实的，你，也是真实的。。。

” 其实真正热爱音乐的执著追求者哪个不对艺术怀有最真诚的心灵，然而面对这个实用主义和利益至上的社会那些纯真的东西或多或少或早或晚会受到伤害。

要处理好乐队成员内部的关系，要注意在媒体面前表现不真实的自己，要为了更大的发展换掉早已像家人一样的经纪人。。。

罗素作为乐队中最圆滑的一个，本来就是违心的为维持乐队关系努力，却发现自己只是筑起沙子的城堡，于是他在那群远远比自己单纯的孩子面前崩溃了。

也许当他们还年轻，在乐队刚刚组建的时候，每一个成员都像身边这些充满梦想的孩子一样单纯，然而当他们越接近最初的梦想，却发现自己一路上丢弃的东西比得到的更加值得珍惜。

场景3：在Still Water一次成功的演唱会之后，一个更好的经纪人走进了他们之中。

这群孩子要离开美国西部去纽约寻求更大的发展。

而这个时候，佩妮蕾恩没有离开现场，一个人在舞台上踩着观众们仍进来的彩色纸屑，拿着一只玫瑰，安静翩翩起舞。

佩妮蕾恩是一个完美的女人，但她也是这部影片中最难以分析的角色。

对于所有人来说，Penny Lane这是一个符号，正如这个源于Beatles一首歌的名字一样。

她自己心里清楚对摇滚乐的热爱，于是游走于不少摇滚歌星之间。

但对于大部分的人来说，她只是那些只想和明星上床的崇拜者之一。

Penny Lane像Russel一样把自己藏的很深，她不会在乐队争吵的时候发表自己的意见，只是用神秘的笑容面对着每一个人。

在这样的情形下，自我的迷失简直是不可避免。

她的职业是什么？

“立刻退休去摩洛哥旅游”，“Penny Lane”，“真心喜欢音乐”，她的话中到底哪些是真哪些是假？

她和Russel之间真的是爱情么？

或者仅仅是互相利用的博奕？

面对乐队的纽约之行，她或许已经知道Russel会回到他纽约的那个女友身边，但也许她在控制自己不去想这些东西，在这个空旷而零乱的舞台上，尽情展示自己的纯真与优雅。

这个场景也许是Penny Lane在现实中所作所为的最好映照。

场景4：乐队的小型飞机遇到了剧烈的气流，飞机摇摇欲坠，这个时候每个人都大声喊出自己平时不敢坦白的话作为遗言。

罗素喊道：“I love you all。

”经纪人说：“我曾经打死过一个人后来跑掉了。

”主唱说：“我曾和Russel的女朋友睡过。

”（注意：不是Penny Lane）William慷慨激昂的说：“。。。

You always talk about the fans the fans the fans。

And she(Penny) is your biggest fan! And you threw her away! If you cannot understand, that's your biggest problem。

And I love her. I love her!!!” 正当最后一个可怜虫喊道：“I'm ... I'm GAAAAAY!!!!!” 之后，飞机又开始平稳的飞行了。

如果你不了解前边的剧情，光凭着这一段的最后一句，绝对是个不小的笑话。

然而一旦回想起他们作过的一切，想起昨天吞过量安眠药后Penny Lane被洗胃的惨状，谁又能笑的出口？

其实从这些话中我们依然可以看出每个人最鲜明的个性。

Russel的高姿态，主唱的狭窄胸襟和William的正义与纯真。

场景5：经历了50美元+一箱啤酒的出卖以及洗胃的痛苦，Penny Lane靠在William肩头，告诉了她的真名“Lady Goodman”。

当我看到这一幕的时候忍不住笑了，因为仔细想想的话，Lady Goodman这个真名和Penny Lane这个假名有什么区别呢？

在Director's Cut版本中有一幕也证明了我这个想法，在机场中Penny Lane汇入拥挤的客流，William大声喊了一声：“Lady!”于是所有的女士都回头了，只有Penny Lane继续向将要离开的飞机走去。

Penny Lane以一个虚无缥缈的身份在摇滚圈游走了多年，然而最终只能心灰意冷的带着满身的伤口离开。

其实Lady Goodman也是一个亦真亦幻的黑色幽默。

正如Penny Lane在摇滚界所扮演的角色也是一个好人女士（Lady Goodman），然而究竟Lady Goodman究竟是不是Penny Lane的真名？

这是一个很难回答的问题，这个问题就像是问你Penny Lane在摇滚圈里究竟是否是一个Lady Goodman一样。

也许这两个问题的答案应该是一致的吧。

欢迎光临我的BLOG：闲话：http://spencersnote.blogspot.com/正经：http://spencersong.blogspot.com/这部电影讲述的是一个男孩在73年跟随Still Water 乐队公路旅行演出，并获得成长的故事，故事不复杂，情节还算优秀，演员们也是兢兢业业，可是我想真正让这部电影一度登上IMDb TOP250宝座的，还是那些婴儿潮中出生的人们（Baby Boomers），这些在战后20年中出生的家伙们，占据了美国现有人口的几乎三分之一，而这部电影，讲述的正是他们的成长历程，对于这种题材的电影，不用我说什么你也该想像得到：对，放几首老歌，然后看着那些中年秃顶的男人们在电影院里面抹眼泪吧，共鸣这东西，最能有效地撩拨观众的情绪。

摇滚，公路音乐，甲壳虫引发的热潮，那么“女人味”，比如大学教授或者警察，但是她独特的表演方式这些咱没经历过，共鸣不够，不发表评论，就说说这部电影给我印象最深的几点吧。

首先，Frances McDormand表演，看Frances McDormand的表演，我发现非常的舒服，她长得绝对不算漂亮，但就是特别的有女人味，这种女人味绝对不是体现在超短裙或者丰满的胸部上，而是作为一个母亲或者妻子，对儿女对丈夫的质朴简单的爱所散发出来的。

虽然她饰演的角色按照大多数人的观点来看，决不算是表现女人魅力的最好角度，但她给每一个角色都注入了巨大的活力，带给了他们无与伦比的可信度，我看过她不多的电影，但我已然觉得她是好莱坞最好的女演员之一。

Frances McDormand这次饰演的母亲，是一位严谨的大学教授，因为望子成龙，让他提前一年上学又跳了一级，她把希望和爱都寄托在儿女身上，但是这种希望这种爱太过沉重了，让儿女们想要逃脱，她不知所措。

片中那一段电话中对儿子说的话，非常精彩：I guess I just miss you, and I don't understand why I've driven my two kids so far away from me. By all practical rules, don't I get you for another three years? Was I not fun? I love you. I miss you and I love you. 儿子和母亲通话，由于环境的嘈杂和年轻女孩的介入而显得心不在焉，而母亲在听到年轻女孩要借宿儿子房间时候的那种无奈、担忧而又无能为力的表情，Frances McDormand刻画得非常完美，那种细微的面部动作，没有功力是绝对做不到的，怪不得凭此片Frances McDormand再次被提名奥斯卡，她应得的。

在这段对话的结尾，儿子忙于与女孩对话而一直没有听到母亲在说“我爱你。

”不停地问“什么？

”母亲只好一次又一次大声地重复：“我爱你，我想你！

”直到哽咽，此处令人心动异常，而最后儿子回答了一句“我爱你。

”却被女孩嘲笑，愤怒地迁怒于妈妈，重重地挂上了电话，更是把成长中的令人动容的一幕展示人前—— 我们曾无视和伤害过世界上最爱我们的人。

5分钟的精彩可以让一部电影提升一个档次，“Almost Famous”就因为在机舱里面的“5 minutes about truth”而提升了一个档次，谁也没有想到在突然遇险，眼看就要机毁人亡的时刻，大家都开始讲真话了！

四人乐队里面的三个都和朋友的前妻上过床，带来大笔演出合同的制作人曾经肇事逃逸，吉他手的女友和主唱好过而且主唱现在还爱着他，随行的主角和吉他手又同时爱上了一个女孩，而那个一直沉默的鼓手终于说话了：我是Gay！

真想说出来后真是爽快，而我想观众的感觉也一定是痛快淋漓，那个年代长大的人都经历过摇滚乐的辉煌，他们毫不留情的叛逆父辈并且以此为傲，对于他们来说，那些乐队是他们的英雄，他们摒弃了现实社会中的一切腐朽与堕落，塑造了一个年轻人的新世界。

可是后来，这些 teenager 长大了，他们发现现实社会也没那么糟糕，或者说，乐队中也一样糟糕。

机舱里的这一段就是“发现真相”后，替代在座的观众们，进行一次30年后情绪的总爆发：“That groupie? She was a Band Aid. All she did was love your band. And you all used her, all of you. You used her and threw her away. She almost died last night while you were with Bob Dylan! You guys are always talking about the fans, the fans, the fans. She was your biggest fan and you threw her away. And if you can't see that, that's your biggest problem. And I love her! I love her! ”电闪雷鸣中这段告白震惊了乐队成员们，也撼动了那些秃顶的观众们，30年前，他们曾经背叛一切去寻找，找到的只是更加腐烂、堕落、令人绝望的废物，那些夹杂着过盛荷尔蒙的梦，在30多年后的今天，只是唇边的一丝微笑罢了。

（芷宁写于2006年3月17日）向摇滚乐队奉献全部身心的女忠粉被称作“骨肉皮”，影片《几乎成名（Almost Famous）》中“骨肉皮”Penny Lane（凯特·哈德森饰演）的原型据说是影星丽芙·泰勒的妈。

泰勒妈妈是上世纪70年代名模，热衷于摇滚乐，曾经辗转于各个乐队名人之间，毫不吝惜身体地在床上记录下了彼时美国摇滚乐的很多历程，堪称骨灰级“骨肉皮”。

自从有了前卫张扬的摇滚明星，这世间就出了很多心甘情愿的“骨肉皮”，除却美洲大陆的各位，在欧洲有玛丽安娜·菲斯福尔曾伴在滚石乐队主唱贾格尔身边，在国内，北京人给这个称呼来了个本土化，叫做“果儿”，随着时光流逝，一代乐队沉浮，一代果儿苍了……影片的故事情节可谓简单直接，叙事手法也平铺直叙，部分节奏还显拖沓，却在当年引发了美国人的观影热情，美影评人也难掩激动之情，纷纷给予好评。

究其原委，大抵和该片剧情仿若美国摇滚乐怀旧之旅有关，如果不是铁杆摇滚迷或有兴趣了解彼时乐队轶事的吾国观众，不一定会看得津津有味。

在该片公映的新千年，怀旧情结应时爆棚的美国观众仿佛化身为片中15岁的摇滚歌迷威廉·米勒（帕特里克·弗吉特饰演），和前去采访的少年一道兴致勃勃地搭乘着名为“almost famous”的巡演大巴，亲历了美国上世纪70年代摇滚乐繁盛期的那些事儿。

其实，那些事儿也早不是什么业界新鲜事——台上强势张扬、激情四溢、愤怒嘶吼、反叛呐喊，私下里放纵堕落、怯懦逃避、矛盾尖锐、酗酒打架、沉迷于性和毒品……该片的微妙有趣处在于，将彼时多个乐队的事件似是而非、虚实结合地加诸在一个虚构的名为“净水”的乐队身上，令影片流露出一丝集中又迷离的气息。

写实的部分主要以真实存在的《克里姆》、《滚石》杂志、乐评人莱斯特·邦斯、“黑色安息日”、“齐柏林飞船”乐队来体现，而虚构的部分便是“净水”乐队，米勒与该乐队的结伴而行，仿佛一个做梦、追梦的青涩少年逐渐看清现实的破碎之旅，一路的亲历，一路的失望，一路的碎片，于是，少年对乐评人邦斯的告诫“千万不要与摇滚明星交朋友”叹服不已。

影片开篇那组在稿纸上书写演职人员的简单画面，仿佛预示着这是一部和文字、和音乐有关的电影，是以乐评人见证的视角书写的故事。

导演卡梅隆·克罗威在他16岁时已当上了《滚石》杂志的记者，可谓业内资深人士，对圈中那些事耳熟能详，可以说，影片就好似他的半自传体。

在片中所示的堕落、吸毒、滥交、酗酒如同家常便饭的圈子里，Girl仿佛一件炫耀的华丽衣裳，仿佛雄孔雀所需的美丽翎毛，她们似乎无处不在，又可有可无。

Penny Lane热情美丽，笑容甜美，看上去似乎颇有主见，实际上却日渐迷茫，一路追星、恋爱、同居的旅程，让她逐渐失去了初衷，她的美丽也仿佛在逐渐消亡，就如同乐队那逐渐外强中干的实质……不过，此种生活方式，作为年轻时代的经历也未尝不可，只是，不少女孩缺乏走过历程、提炼升华的智慧。

该片最值得提及还是配乐，那个年代很多具有代表性的歌曲被散落在影片的不同时段，看影片，就仿佛回顾了一场摇滚演唱会，还是群星版的。

虽然其中采纳的歌曲不能完全代表那个如火如荼的摇滚年代，但结合影片氛围听，颇具味道，算是一张很应景的摇滚拼盘吧。

该片原声大碟收录的歌曲：1.America --Simon & Garfunkel 2. Sparks -- The Who 3. It Wouldn't Have Made Any Difference -- Todd Rundgren 4. I've Seen All Good People: Your Move -- Yes 5. Feel Flows -- The Beach Boys 6. Fever Dog -- Still Water 7. Every Picture Tells a Story -- Rod Steward 8. Mr. Farmer -- the Seeds 9. One Way Out --- Tha Allman Brothers Band 10. Simple Man -- Lynyrd Skynyrd 11. That's the Way -- Led Zeppline 12. Tiny Dancer -- Elton John 13. Lucky Trumble -- Nancy Wilson 14. I'm Waiting for the Man -- David Bowie 15. The Wind -- Cat Stevens 16. Slip Away -- Clarence Carter 17. Something in the Air -- Thunderclap Newman（若听片中所用老歌之一，保罗·西蒙和加芬克尔的《America》，点击http://nicolew.blog.hexun.com/6641716_d.html。

）

虽然不曾是摇滚迷.但是看片的时候还是能够深深感受到摇滚人的梦.美国的70年代应该是披头士们的年代吧.他们疯狂,乐迷们疯狂.直到现在仍然一样.却常常在世界的各个角落.总是有自由与家庭.梦想与现实.金钱和纯真之间的碰撞交融.威廉跟这静水在全美巡回.摇滚.大麻,女人,背叛,爱情,信仰……她母亲的严厉与慈祥.其实是每个青春期的人，每个追逐梦想的人，每个充满希望的人都要面对的吧.做自己的GOLDEN GOD就好。

就像电影中那样，你爱音乐爱摇滚的哪一方面？

-全部。

生活也应该如此吧

这片子让我想到很多小团体。

从幼儿园到大学，甚至到工作之后，好像都有那种小团体存在。

他们总是给人一种团结的感觉，总是整体出现在大家面前，说着旁人几乎听不懂的内部语言，他们似乎有着自信的气场，有着自己的行事原则，成员之间有着强大的凝聚力。

有些小团体很多时候可能还经常成为班里或者什么其他工作环境中的焦点。

给未加入的人以吸引力和距离感。

而当你接近了或者甚至进入了这些小团体，你会发现，他们的成员之间相互可能有抱怨，有的甚至不是抱怨这么简单，而是敌视。

有些成员可能并不想继续呆在这个团体里面只是碍于很多别的因素只好继续留在其中。

有些成员可能是心甘情愿或者并不自知的被其他成员利用着。

一个看似非常团结的小团体，其实里面很可能问题重重。

一个小裂缝都有可能让他们整个崩溃。

而如果崩溃，成员之间很可能在外人面前撕破脸把很久之前的积怨全部抖出来，那场面好像会是相当的难看。

所以那些表面上令人羡慕的小团体，很可能就不过如此，就像片中这个乐队，有些看上去高端大气的人，很可能就是绣花枕头，而很可能可悲的是他们连自己绣花枕头的身份都没有意识到。

就像片子里的Lady。

这些小团体喜欢被外人羡慕，而象乐团这种小团体，外人的羡慕和支持正是他们名气和金钱的来源，他们自然想维护并加深这种羡慕，所以要更加维护自己那种美好的形象，维持大家对他们的期待，甚至是在自己可能并不胜任的情况下，就像在水池旁边的房屋顶部，在下面乐迷热切的期待下，他只好跳下去。

跳下去之后呢，狂欢和庆祝之后，水池依然会恢复平静，不过如此。

最后在飞机上，大家在暴风雨中把所有的积怨都说了出来，而其实场面可能并没有那么难看，相反大家把话说出来之后，那种压抑的气氛没有了。

暴风雨过去倒是晴朗了很多。

最后乐队灵魂人物去找主角道歉，说出了真心话之后，很多问题其实就迎刃而解了，其实摘掉某些并不属于自己的光环，结果也不过如此，甚至可能会比之前更好。

影片结尾，一直向往摇滚生活而离家出走的女儿终于在弟弟的带领下回家了，母亲马上伸出双手接纳了她。

打破别人的期待其实可能并没有什么，否定一下自己也可能没有那么难，不用低估某些寄望者找到其他目标的速度，也不用低估很多真正关心你的人对你真面目的包容程度。

02年的夏天，我在学校附近的租碟房里看到了这部电影的VCD，却因为划痕太多，最终退掉换了《流星花园》。。。

前不久看了同一导演的《伊丽莎白镇》，剧中大量使用的老歌又让我想起了ALMOST FAMOUS，不过现在市面上已经难找到了。

结果周五陪朋友买盘，找一张D5，老板错拿了一张出来，正是ALMOST FAMOUS。

哈，妙不可言的缘分。

没想到四年后我终于有机会了解这部关于追寻音乐与梦想的旅程的电影。

现在耳边响起的是许巍的歌声，那些关于音乐的记忆，总可以成为生命中最浪漫的部分。

就算有一天我们都要消失在忙碌而平庸的生活里，只要回想起曾经为了音乐而奔赴的青春，只要记得起那些狂妄的笑声，或者冲动的泪水，就抵得过现在的平凡了。

故事发生在所有爱音乐的人都无比怀念的70年代，18岁的姐姐受不了妈妈的严肃和古板，带着大把的青春跟着男友逃走，临走前留给弟弟一大包黑胶唱片。

姐姐还留下纸条说：你听这一张的时候，点上蜡烛，就会看见自己的未来。

弟弟是个5岁上学又跳级的天才儿童，一直对自己的青春期比别的同学晚到而耿耿于怀。

姐姐的黑胶+前青春期狂躁，15岁的维廉已经在乐评方面小有名气了。

出乎意料的滚石杂志的约稿，结识静水乐队以及美丽又神秘的女FAN PENNY LANE，一场梦幻般的音乐之旅就这么开始了。

电影从头到尾就像一场完美青春的回忆，在回忆中一切都变得柔和了。

妈妈和姐姐的冲突是喜剧化的，静水乐队也没有传说中磕药的摇滚乐队那么面目狰狞，他们真实却并不危险。

Penny Lane几乎就是所有男孩心目中的初恋女友，她总是那么神气，倔强，当然也要美丽性感。

这一次旅行还是妈妈的小小实验，妈妈知道，实验结束的时候，孩子也要长大了。

飞机遇气流时候，每个人忏悔般的真话；闹情绪的各个团员随着Elton John 的Tiny Dancer开始哼唱，最后音乐化解了所有怨恨。

我们中可能很少人有维廉的经历，却都在其中看见了自己的青春期。

在那些日子里，我们莽撞的勇敢着，我们都是有梦想的天才儿童，我们自以为可以不顾一切，可以在人世间潇洒穿梭，我们把自己化身为各种卡通人物或者摇滚明星，用小大人的放肆碰撞大世界的触角。

为了音乐，为了梦想，我们跑啊跑，跑着跑着已经不在乎是否能够飞上天了，就一直奔跑已经那么COOL。

我们是在什么时候停下来的？

停下来转向人群的那一刻，你哭了吗？

现在每个周末，电视上都充斥着所谓追寻音乐梦想的女孩们的身影。

她们都在唱起歌的那一刻露出了马脚。

功利的笑容在年轻的脸上显得更加邪恶，多希望我们都还是那个爱音乐的疯子，在爱音乐的路上疯跑有多快乐，你还记得吗？

这部片子与其他摇滚题材类电影不同之处,在于这是一部受良好正统教育的写字的人拍的他眼中的乐队和骨肉皮,所以整体偏聪明和理智,相比,叙述者始终停留在欣赏和喜爱的层次,没有迷乱,保持着清醒,不时还要跳出道德焦虑和罗素之类来烦人.导演第一人称的痕迹太重了,我不仅要想一下这部片子是不是为了纪念那个对他那么重要的巴士旅行.前空姐潘尼莲小姐,哦,我真是喜欢凯特哈德森的长相.始终是清甜的微笑,做一个优质的骨肉皮,始终坚持自己爱的纯净,装做自己好像不是骨肉皮一样.

电影名称：《几近成名》Almost Famous电影时长：2:41:29导演：卡梅伦·克罗主演： 派屈克·福吉特、凯特·哈德森、弗兰西斯·麦克多蒙德等观影理由：喜欢音乐喜欢摇滚，且在曾经的奥斯卡获奖名单中有所耳闻Almost Famous：一曲摇滚时代的挽歌电影名称：《几近成名》Almost Famous电影时长：2:41:29导演：卡梅伦·克罗主演： 派屈克·福吉特、凯特·哈德森、弗兰西斯·麦克多蒙德等观影理由：喜欢音乐喜欢摇滚，且在曾经的奥斯卡获奖名单中有所耳闻阅读注意事项：篇幅较长，有剧透，慎点一部长达一百六十余分钟的关于摇滚的电影。

我一直认为上世纪鲜活的摇滚时代已经不复存在了，因为所谓摇滚绝不仅仅是才华与艺术、呐喊与理想，更包含着深厚的属于那一代迷惘的人破碎过后对摇滚二字托付灵魂的信任，而这是我在现在愈发商业化的摇滚中所不曾感受到的。

我很高兴看到这样一部不以欣赏音乐或展现个人成长为目的的电影，更多地，自导自演的导演卡梅伦·克罗在追忆重塑自己的往昔的同时，真正探索着那复杂的“摇滚精神”，以及最重要的，留下了热爱摇滚的人们最真实的“疯”。

《几近成名》海报这是个怎样的故事呢？

一个男孩成为滚石杂志的记者，跟随Stillwater乐队开启了一段有酒有毒、有笑有泪、有生死的交锋与信念的崩塌，从而追寻自我的旅途。

叙事：从叙事上来说，这部电影对观众来说并不能算是非常友好：首先是在于，除非是对摇滚圈有一定了解的观众，否则很难真正感受到这部电影所想表达的种种。

例如当镜头聚焦在那些摇滚歌星面对记者提问时毫无逻辑甚至带有些许所谓“青春疼痛”色彩的言语、他们不符合常人清醒状态的看似幼稚无聊的举动，以及那些歌迷或狂热粉丝以各种方式尝试接近自己喜欢的乐队成员、潘妮作为一个歌迷却始终在强调自己已经“退休”的事实，这种种的剧情细节都会对未接触过摇滚的观众留下完全不知所云的印象。

但如果这一代摇滚人的迷惘与疯狂能够被理解，也许还存在第二个问题：用将近三小时的时间来讲述一个细节众多的故事显得过于冗长。

当我第一次看这部电影时，寥寥无几的弹幕中出现了很多这样的字眼：“无聊”、“节奏太慢了”、“怎么这么长”等等，伴随卡梅伦·克罗对剧情起伏冲突日常化的处理，似乎让那些本该深刻留在关众心中的信息与感觉都在进度条的游走之间慢慢黯淡下去。

对于这一点，我想为《几近成名》正一正名：剧情本身并不琐碎寡淡，而充满丰富的、多角度多角色间的矛盾冲突，包括主角威廉的姐姐与母亲之间存在的现代新观念与旧有刻板价值观的碰撞所激化出的矛盾、威廉对看似因爱而“迷失自我”的歌迷潘妮所产生的不解与迷恋、威廉与Stillwater乐队吉他手罗素之间因对潘妮的感情、被利用的情节与价值观的冲突而产生的隐而未发的矛盾，以及罗素与其余以主唱杰弗里为首的乐队成员之间因思想深度的差距而产生的隔阂，这一点始终贯穿着电影始终，从大大小小的争吵、聊不到一处的话题到最终飞机几近遇难时所有矛盾都在此碰撞，这一系列的矛盾冲突都是相互交错中兀自有序着并层层推进的。

剧本另一点让我非常欣赏的，是在于它的叙事是有记忆点的——这就帮助这部冗长的电影在处理它碎片化还有些许反复意味的剧情时，能够仍然保持观众观影的兴趣与思绪上可以追寻回味的点。

对于这部电影来说，我认为它的记忆点是那看似不起眼的元素——飞机。

第一次出现这个元素，是在威廉的姐姐与母亲决裂后选择独自远走高飞之后选择的职业：空姐。

离开后的她为威廉埋下了热爱摇滚的种子，于是当十五岁的威廉也踏上自己的旅途后，“飞机”这个元素再次出现了，只是它出现在了那位成熟美丽的摇滚“老粉”口中：机长已经亮起禁止吸烟的告示灯，麻烦请各位熄烟、将椅背竖直、餐桌收好。

”这句话本应该是飞机上乘务员的工作用语，而它现在出现在潘妮带着威廉却以寻找罗素追求所爱为目的的派对上，潘妮一句微醺状态下的打趣的话以得到大家的关注；也就从这句话开始，主要人物之间的关系开始发生变化：潘妮与罗素之间的情愫、威廉深埋的爱、对未来的想象与暗藏的失落与对追寻自我的坚定决心等，也就从潘妮的这句话开始，整个剧情便开始随着远走高飞的威廉的足迹开始“起飞”。

当发生了一系列的精彩、争吵、背叛、利用、崩塌、生死之后，也正是我们好不容易把这个故事的大概啃下来之后，“飞机”这个元素再次适时出现，把混乱的思绪归一——是在返程的遭遇风雨险些坠落的飞机上，所有人都面对生死这样残酷而又猝不及防的事实敞开心扉，除潘妮以外的所有人都在那狭小震荡的空间里大声说着自己生前的遗憾或那些未曾说出口的实话，那些实话包含着错综的人物关系中各种带有锋芒的七嘴八舌的态度，于是所有混乱的矛盾冲突都得到了联结与收束，将剧情推上真正的高潮，展现着在“远走高飞”的行径中掀起的浪潮是如何吞噬或打磨着人内心的坚守的。

最后一次出现飞机的元素，是对于潘妮来说一切真的风平浪静、她可以放下并平静地审视自己的一切后踏上飞机，轻声伴随着广播里空姐的声音玩笑般重复的那句：“机长已经亮起禁止吸烟的告示灯，麻烦请各位熄烟、将椅背竖直、餐桌收好。

”及其收敛的状态与先前这句话出现在她口中的情形形成了强烈反差，却也让这狂野心绪的飞机在出发与返程之际拥有了耐人寻味的张力。

真实与精妙。

这是这长达三小时的剧情在我脑中留下印记后我最为直观的感受，好像摇滚时代末期本该是这样的，好像对于我的热爱来说有一块由我的认知来完成的期待被一种极具美感的方式填满了。

这样一种真实的疯的刻画，真实的丰富的人物的刻画，很大程度上归功于以下几个元素：1. 导演：这部电影能够如此真切地展现一个有逻辑、贴近现实的故事，与导演卡梅伦·克罗有着分不开的联系。

自编自导、自传式，与威廉相似的人生轨迹（也曾担任滚石的记者并感受到了摇滚圈逐渐走向虚荣的氛围），这些都成为卡梅伦能够表达自己真切态度决定性的因素。

在整部电影的剧情中，我们能够很明显地感受到卡梅伦刻意地做了贴近真实的处理——所谓真实，即还原与保留，没有过多的夸大或掩盖。

他保留了现代人或许会认为毫无意义毫无逻辑的对话，保留了摇滚音乐人染毒的情节与对性的渴望，他保留了无聊的争吵：例如乐队成员因一件定制T恤上各成员的显眼程度而发生的口角。

他不带色彩地保留了很多对剧情推进没有显著作用的细节，却在这些细节一一的呈现与堆积后不动声色地表达了自己对摇滚界初心的改变的深深痛心与讽刺，以及对保持自我的珍视，最后以一个平凡和缓的结局留给人温暖的深思余地。

这样的影子几乎存在于他的每一部作品，例如《伊丽莎白镇》中的主角本身平凡美好的生活中遭遇挫折，险些放弃生命后最终在伊丽莎白镇这个陌生的世界中重新找寻自我，以及《香草天空》中的曾风度翩翩的主角历经毁容与爱情的创伤后对自我的价值产生了深切怀疑、历经曲折后才选择摘下面具探寻真我，我们可以发现在卡梅伦执导的作品中，大量出现着“追寻自我”的主题，而这也是每个生活中的个体所必然要经历的一个历程。

也许是受到个人经历的影响，卡梅伦很喜欢聚焦在个人精神层面的蜕变上，选择最贴近生活与角度的故事用最平凡的方式讲述出来，还原一种人人都能有一定程度上共情的真实。

但《几近成名》这部电影优于他的另外这两部电影的点便在于，《几近成名》在反思自我及一个环境的基础上，更对一个时代、一种形态、一种变化、一种价值观进行了反思。

另外，卡梅伦的电影中有一个共通的细节，是在于他喜欢在电影的镜头中借助一些打印出的照片来借助他的叙事，这一点在以上提及的卡梅伦的三部电影与他的其他电影中都有所涉及，只是在《香草天空》与《伊丽莎白镇》中，照片更多地作为一个打开回忆的钥匙来展开一种情绪的展现或一段往事的叙述。

而在《几近成名》中，威廉作为记者跟随Stillwater乐队外出演出，沿途拍下了人与事物，照片成为了他对记忆的一种记录、一种对所包含的情感的封锁，从而让这个十五岁的男孩也有了可挖掘之处，成为了一个愈加真实的存在。

《几近成名》中照片的运用2. 表演：饰演已“退休”却仍怀热忱的资深摇滚歌迷潘妮·连恩的女演员凯特·哈德森，让《几近成名》这部电影获得了奥斯卡最佳女配角奖的提名。

如果说这单单是一个美艳魅惑、带着一点狂热与矜持的女性角色，那么我认为仅仅加上一些台词上声调的处理、肢体与整个状态微微的疯癫与不清醒的加成，这对于一个天生丽质的金发演员来说并不算是一个非常有挑战性非常有里程碑意义的角色；但随着剧情深入、对潘妮这一角色更加透彻的理解，我真切体会到了凯特·哈德森的惊艳之处——作为一个金发女郎，她所表现出的，既有Courtney Love那种极度在摇滚中依赖感性宣泄的老成的疯与癫狂，更有如同一位缪斯一般的纯洁与本真。

对于这非常复杂矛盾、很容易被处理成纯戏剧性的两点，凯特·哈德森却非常擅长运用动作与表情，让这个戏剧性的人物变得“真”了起来。

首先是动作，大体上来讲，无论是走路的步伐还是平日的行动，凯特·哈德森都采用了极其活泼灵动的处理，随意的摆臂、轻盈的四处留下足迹的步伐，展现出潘妮本真一面的同时也给人一种捉摸不透、抓不住的感觉。

这一点在大巴上潘妮争夺威廉手中她与罗素合影的那张照片时体现尤为明显，从在座位上躬身去抢，到灵活踩上两边椅子边缘、跳下地奔跑，随即一跃卧在一旁的座位上双腿屈膝，抢过照片看了几秒后立刻用那几根手指将照片弹开，整个环节既需要连贯性又需要情感充沛，可以说是很有挑战性的，而这整个过程才构成电影中不足五秒、让人容易忽视却能体现出潘妮角色形象的小细节，也不难看出凯特的构想与处理之精。

凯特·哈德森在每次说出一些期待得到对方回复的话语时都会习惯性地做出背、颈、头以舒服的姿态微微后仰的动作，这同样也可以体现出潘妮这个形象从躯体上的情感表达就极为丰富的那种微微疯癫的状态。

潘妮·连恩争夺照片另一点则是在于表情，这一点的处理让我觉得凯特是个天生的表演艺术家：她能够在短时间内用五官的配合作出各式各样的微表情，并且衔接极为流畅自然，随着话语的改变有或微小或巨大的程度变化。

非常让我惊艳的一个片段是当威廉独自坐在椅子上，而罗素与潘妮将两个脑袋凑近他的眼睛对他进行随行克利夫兰的游说时，镜头聚焦在凯特的面部表情上，她的口中是较为低沉沙哑的嗓音轻轻地对罗素的劝说话语所进行的一些附和与重复。

从她初一现身时那双刻意睁大的双眼眼神中传达出的期待，一个迅速的抿唇的微笑后语速极快且坚定的“来克利夫兰吧”，到看见威廉的不情愿后，几经嘴角与眉毛的变化开始挤眉弄眼、嘴唇十分刻意地微笑或撅圆地第二次一字一字地重复来——克——利——夫——兰——吧——以及第三遍，率先张大的瞳孔，张得夸张的嘴、甚至配合上了魔女施咒一般的手势进行了更进一步“盛情”的邀约。

而当这三遍邀约以威廉的喊叫抗拒告终之后，那热情夸张而带有迷惑性的表情并没有即刻转换成一种截然相反的情绪，而是极其灵活地以一种极其潘妮的近乎耍赖的形式将嘴撮起眉头微蹙，眨了几下眼后才渐渐加深眉头皱起的程度、眼睛眨动的频率以及这种“邀约被拒的苦恼”；而当罗素提到“摇滚圣地”这样的字眼，她先前的表情又慢慢放松到正常的状态，而后露出单纯的笑意，随着最后威廉无奈沉默妥协的样子而轻轻眯起眼睛、嘴唇玩味地一撇一撇。

这一分钟由情感与剧情代入而引发的一连串的细节都绝无法通过精密的设计而完成，但凯特对于这一角色的投入和即兴微表情的表现能力都极其让人敬佩。

凯特·哈德森的微表情最后谈到我最喜欢的一段凯特的演绎：即在威廉与潘妮发生冲突之后潘妮从威廉口中得知了自己被心爱的罗素所利用，凯特的神情由先前眯起眼睛笑着对威廉、满是对他的天真与诚实的感叹与惋惜，一瞬之间在一个回头的转换之后变成了满眼的受伤与单纯的惶恐，垂头之后便留下的轻而无声的眼泪，但单纯的悲伤并没有维持几秒，从抿唇到微笑、咧嘴笑，以及经过数秒后才想起“要问”的问题：是（拿我换了）什么样子的啤酒？

这样一个荒唐而无奈的问题过后却是听似更为释然快乐的笑，而她的眼中则流下控制极好的一滴滴清晰可见缓慢流落的泪珠，将这复杂又执著的潘妮的爱与自嘲刻画得淋漓尽致，且丝毫不觉得生硬不自然。

她真真切切地将自己的身体、自己的心灵住进了这个复杂的女孩的灵魂中。

凯特·哈德森的笑与泪反观其他角色的演绎便没有凯特这样惊艳。

例如威廉·米勒的扮演者屈克·福吉特在表演的过程中便能够明显感觉到他的表演痕迹与动作神情设计的痕迹，但由于他15岁青涩的人物设定让这样略显呆板的处理也显得合理，同样构成了一种十分真实的感官。

3. 摄影：这部电影的摄影师为约翰·托尔，一个与卡梅伦·克罗导演合作过很多次的摄影师。

这部电影本身的摄影算不上是尤其出彩，但有几个令人印象深刻的镜头让电影整体的表达效果大大提高。

首先，仍旧是先前提到的潘妮得知自己被心爱的人利用后流泪时，几个特写镜头：当潘妮尚处在与威廉的争辩状态时，她的面容完全处在一种背光状态下，某种程度上暗示着潘妮被蒙在鼓里、用热忱将世界的复杂包裹起来的事实；直到她以为的“爱”被戳穿是一种廉价的被利用的关系，她的面部及颈部轮廓才微微被阳光勾勒下来，形成侧逆光的效果，而她的面部五官仍然是处在阴影当中的，这样的处理使得她缓慢流下的泪珠得到了一定的掩盖，同凯特对于这一角色的演绎一样，她在用一如既往的随性试图将这悲伤的苦水抑回，如此形式的打光则帮助抒发了这样一种无奈又坚韧的情绪。

并且整个画面的色调以暖光、黄与绿为主，背景虚化的效果，演员金发白裙的装扮，使得画面富有一种被神化的美感。

另一处打光比较惊艳的是在飞机事故中争吵的画面，整个机舱空间内的光线是极为昏暗的，为了表现闪电的效果，摄影时他们选择了冷白色的强光从坐着的演员们的下方与旁侧打出，且一亮一灭、位置略微有所变换和交替，让冷白色的线条或光线闪烁在演员的侧脸、额下、面容及颈部，构造出一个真实的雷电交加的场面，更烘托了危险的氛围，让这一场生死前的争吵在视觉上更有冲击力从而牵动情感上的冲击。

飞机片段打光4. 声音（原声带音乐）：不知道是否有为摇滚乐去标签化的意图，这部电影中出现的许多原声ost都不是传统认知中那种嘶吼的、喧嚣的风格，而是安静的、直击心灵的，甚至比较偏向其他风格或者另类的摇滚。

例如The Beach Boys的《Feel Flows》作为一首迷幻摇滚的插曲，朦胧的蒙在气泡里的温柔的歌声、民谣般的旋律、欢快有序的鼓点、迷离悠扬的管乐加成、和缓的和弦与梦幻的合成器音效，这一系列的音乐元素相结合完全打破了一般人眼中的“摇滚”；而这样的插曲却在极大程度上推进着这个疯狂的故事的走向，只是以一种对浪漫情怀的另样诠释，让迷茫的少年、人性作祟的乐队与那失意或期待着的女人对于未来的向着更多城市的路拥有了更多不确定性与随波逐流的无奈。

其他的一些以摇滚为题材的音乐电影，比如《摇滚学校》，同样以个人成长、自我探索为主题，它的原声带却从始至终展现了同一风格的比较吵闹比较欢快比较大众的摇滚乐（类似于Pop Rock的风格），当然这一定程度上与它是由舞台剧改编这一事实有关，因为现场有带动气氛的需要，但这样的摇滚乐在电影中的呈现就成为了展现个人才能的工具、纯粹是一种才艺。

但在《几近成名》中，风格多样的、轻柔或带有故事情节的摇滚成为了一种思想本身的展现：在摇滚中，我们托付自己的未来；在摇滚中，我们与之共情，拥有迷惘或失落、欣喜或期许；在摇滚中，我们有得有失，最终找到自我，思考着、前进着……从ost插入的技巧来看，这部电影再次达到了令人惊艳的效果。

最有代表性的是潘妮摄入了喹啉险些去世的片段，当她被抬到一旁的台子上、医生将长长的管子伸入她的口腔及以下时，这一段本应极其挣扎痛苦、充满呻吟与喊叫的片段，很快地在医生反复“Swallow!”的台词中衔接上了一段悠扬的曲调，那些嘈杂的声响都成为了音乐背后的一部分、共同协奏着这一故事的乐章。

毫无违和感的转换让这一片段失去了本应满含的痛感与观影上的不适，反倒拥有了一定浪漫的美感，且能够十分自然地转换到下一情感色彩完全不同的情节当中。

这是现今音乐电影中少有的绝妙处理，让插曲成为了叙事的一部分，依靠听觉上的艺术所带来的感性上的愉悦感影响整个片段的色彩、带来一种新的微妙的视听体验。

很多音乐电影都将音乐视为一种独立的元素，它们的存在要么是陪衬要么就是一段故事的主体，例如在《爱乐之城》众多优美的经典曲目都单独地成为了一段故事的讲述者，却忽略了音乐与电影之间可以拥有的更为巧妙的连结，可以让音乐成为那些歌词中的情感或美感本身。

这些种种都牵引着我们感性上的变化，展现出最真实的当下、晕染着最真实的感知。

但是除了能够精彩地呈现真实之外，同样的，在这样以「记录摇滚时代末期人的真实思想与言行」为外壳的电影中，它所存在的问题也极其明显——角色。

角色：作为主角的威廉·米勒这一角色，从小受到极其保守的家庭教育，独自踏上与乐队同行、远走高飞的路途之后历经了被利用、被背叛，看见了摇滚世界中不堪的种种，却始终选择保持诚实、坚守自我，并且他十分在意不能迷失自我这一点。

也许威廉·米勒的塑造，本身便被赋予着一种在人心发生巨大改变、虚荣与利益围剿着的摇滚时代中一种“纯洁”与不变的象征的意图，但反而一味地对这样一种象征的强调让这个角色本身的鲜活之处被淡化了许多许多。

首先，对于一个十一岁的开始步入叛逆期的小男孩，发现自己的母亲因为觉得“五年级学的东西完全没用”而擅自决定让他跳级，对他隐瞒了他真实且偏小的年龄后被一些生理上已经发育的同年级的“哥哥”们以及比较mean的“姐姐们”取笑，这样的一件事对于这个孩子来说，理应对他的自我认知产生非常大的冲击，并且会引导他对自我有更进一步的思考。

但在这部电影中，他的家庭与现实环境的冲突所带来的深厚的影响，在这个角色身上我没有看到——除了十一岁的他对母亲的怒吼，以及十五岁的他决定离开这样的家庭环境随乐队远行。

然后，威廉·米勒面对“不要和乐队里的人成为朋友，他们会利用你”的忠告听而不从，以及他说自己十八岁的谎言，这种种的表现配上周围人用语言强调“你太诚实了”的感叹，更让这种“诚实”与“纯真”变得空虚、生硬、假大空，也让这个角色失去了有血有肉的、历经情感上的崩塌与重塑的鲜活感。

但反观另一个十分重要的角色：潘妮·连恩，则比威廉要处理得圆滑很多。

一个世俗却执著的真正热爱摇滚与音乐的美丽歌迷，一个总把“退休”挂在嘴边却仍心怀希望的女孩，她改名换姓流落人间的无奈的随性、她对迷失自我的恐慌和随遇而安的心态、她对摇滚热忱而不含杂秽的痛楚的爱，她是这样一个复杂而矛盾的存在。

她本该如毒品一般不干净的，可她的心意总那样深沉又简单，让这位饱经摇滚世界的磨砺、名利锋芒的摧残的女孩拥有了纯洁的本性，拥有了让人想要企及的魔力。

这个角色便是摇滚的缪斯，她带着她独到的“疯”、对摇滚与爱的人托付所有心绪的投入，以及不变的执著的本真的初心处在变了质的世界中，她是每个摇滚的人在这片翻涌的海浪中都想留住的那份平衡。

这个角色成为了整部电影的灵魂，以她为中心交错的纷繁的人物关系都被升华而拥有了更多意义，她更像是一个自由而失意的奔跑的人，以足迹与复杂的笑与泪编写着一曲被名利沾染的摇滚时代的挽歌。

以及以罗素为首的，整个Stillwater乐队中的角色，他们之间因价值观、性格等等的差异而产生的隔阂与矛盾、对女性的迷恋、缺乏逻辑的通俗的交流方式，这些都是很真实地可能发生在每一个乐队身上的故事。

他们这些角色作为一个集体所象征的，是那个时代下所有摇滚圈的表演者群体。

并且几个人物都各具特色，各自表现着某种真实——例如其中非常出圈的一段，威廉与贝斯手之间采访问答的片段：“赖瑞法洛，你认为你在静水乐队中扮演着怎样的角色？

你对乐队有着什么样的贡献？

”“（点点头愣了几秒后）我是贝斯手。

”“...对。

如果把你从乐队成员中抽出，会对这个乐队有什么影响？

”“嗯...没有贝斯了？

”这个片段后来常被用来打趣乐队中贝斯手的存在感之低，但在这部电影中，这却是一段让我觉得非常痛心的对话。

这样一个跟随乐队表演这么久的角色，并不知道自己一直以来所做的事情是为了什么、意味着什么、能给自己和大家带来什么，换言之，作为一个摇滚圈的表演者，他完全不理解所谓摇滚是什么，只是知道这样的一个职业可以带给他很酷的外壳与养家的根本，甚至不知道自己人生的意义。

卡梅伦给这样一个不起眼的角色两句极其简短却深入人心的台词，却将摇滚圈里许多人迷失自我而迷惘的状态刻画了出来，有一定讽刺之余更让人对摇滚时代注定走向衰变这一事实拥有痛彻心扉的惋惜。

他们忘我地在摇滚中疯着，直到那种曾不需要解释的、与生命共同澎湃着的快乐变成了一个值得欣赏与艳羡的符号。

那么，这部电影留住了那个时代的“疯”，它为我们留住了什么呢？

我想，或许它的价值观并不是明确的。

它并不想刻意地留下一个或好或坏的绝对的立意，而是展现一个事实，从而让我们用反省的思想来定义它所想呈现的价值观。

价值观：喝酒、吸毒、十五岁的叛逆，这些在我们的传统伦理观念内都是不曾被接受的。

很多人错将这些事物视作摇滚的代表，认为它们是自我宣泄中酷的代名词，但实则不然，它们并不是属于摇滚的特性，而是如同摇滚一样，它们是一种逃避现实的不堪、重塑自我灵魂的出口。

至于这些酷的标签，只是一种对摇滚最草率又最让人心安理得的误解。

威廉的姐姐留下那些唱片作为改变威廉人生的事物，当我看见那张字条上所写的：“Listen to Tommy with a candle burning and you will see your entire future.”这句话时，我真切地感受到了一种虔诚，一种愿意把生命的所有时空奉献给那份热情与自由的虔诚。

但威廉与姐姐想要逃离母亲营造的极其刻板压抑的家庭环境、罗素想要逃离青春的平凡与迷惘的痛楚、潘妮想要逃离现有社交圈的世俗与无趣，于是他们将很多很多的自我都倾注在他们耳边的鼓点与旋律中，直到它们为他们开启了新的人生、披上新的皮囊。

他们决定了让摇滚成为他们的人生，却也在不经意间让人生盖过了摇滚，用商业化的谋利思想、人性中种种自私的缺陷让摇滚成为了一个虚荣的工具，这也正是摇滚时代走向末尾最大的原因——摇滚成为了一种借口，他们都走向了新的向往，只有真正热爱的人在守护、在相信、在爱、在等待。

我一直偏执地认为当年的摇滚已经死去了，无论是“热爱音乐”、“追逐梦想”还是更为直白的“想要变酷”、“赖以生存”这些为摇滚寻找的理由，都成为了一种自我的标签化，而没有能够让那份本真的摇滚精神留下来、鲜活在他们的心里。

我曾在想，是否卡梅伦·克罗埋在这部电影的是一种讽刺，但当我看到最后温暖的结尾，我想他更多的是一种惋惜和印刻。

他要让我们记住，那一代摇滚人再也无法找回的生命的疯、那种纯粹的追求鲜活的形式与可以卑微渺小的人生。

他要让我们记住，人是如何张扬的将那些灵魂的声音禁锢在人性的复杂世界中，是如何谱写下一段挽歌、在一个个时代中交替告别的。