三块广告牌

关于《三块广告牌》的争议背后有一个问题，就是我们究竟该如何看电影？

我将对市面上一些指责进行反驳，但这不意味着我不接受反面论点，只觉得这些批评大多不健全，没有一篇是让我觉得合理的。

但是， 当我们看一部电影，究竟该怎么看？

甚至说，我们又该如何做一个好观众？

如果你是个制片人、导演，你看电影时必不再是一个纯粹的观众了，该如何面对身为观众和你的身份两者所造成的标准不统一？

我不在这里借此讲那些空道理，只是看了太多文稿之后，权且努力拨一把乱而已。

◆这部作品太偏向戏剧了？

我的答案：《三块广告牌》在结构、人物、对白设计上的确非常戏剧化，但戏剧化不等于就是戏剧。

故事刚开始就是一首歌和一组广告牌镜头，远看成岭侧成峰，这仍然是电影语言，若是戏剧，它的起调就需要去强调空间的整体感，可能是固定的一个镜头直到歌唱完。

《三块广告牌》仍然是用电影语言讲述的作品，电影史没有人规定过镜头必须怎么拍，时长是多少。

蒙太奇的意义对它来说很重要。

并且它的表演仍然是电影的，不是戏剧的。

《三块广告牌》的镜头并不着重刻画人与人的关系，而重在表现琐碎的言语之间的来往，故看起来零碎。

但这种故意规避人物关系的做法也在发挥着作用，它表达出剧中人物共有的孤独感特质。

我们仍然会觉得狄克森打伤小男孩的长镜头很亮，在看第一遍时，甚至不会注意它是一个长镜头，也不会感到导演炫技的成分在。

这大致说明，马丁-麦克唐纳是有意识选择减少镜头痕迹，让观众的目光聚焦在故事和人物身上，这对强戏剧化的故事来说，是一种恰当的做法。

镜头和视听不鲜明，不等于它不合适。

而且音乐剧电影也并不就是一个歌单，手绘动画片，也不是一座美术馆。

我们该如何正视电影语言作为一种语言的生命力和可能性？

◆有人还把女主角与鹿互动的情节与《逃出绝命镇》的鹿做了对比，认为后者高级，前者拙劣。

这是一种只做了视听分析而未做戏剧分析，并割裂二者联系的片面之言。

在《逃出绝命镇》里，鹿的出现是一个警示，一个符号，一个隐喻，一个镜像，一个需要聚集观众智识的标识，创作者必须要用非常艺术化的镜头进行展现，在这里提示观众去注意鹿，方能吸引观众的意念。

而《三块广告牌》里的鹿只是现实生活里遇到的一个可爱的狗狗猫猫一般，并不承担其它含义，犹如故事刚开始那个无法翻身的甲虫，是为了彰显女主角柔情一面的道具和工具，镜头在这里仍不可以喧宾夺主。

两种不同的功能，前重后轻，自然无对比的意义。

其实拉郎配是具备意义的，但是拉郎配也意味着你在用既有的经验套另一种经验。

◆有人借许多细节认为马丁-麦克唐纳并不是一个高明的导演。

事实上，这样否定一个人的感觉，跟官方封杀一个劣迹艺人异曲同工，因为其并没有意识去分析导演的作者性，作者性往往能看出这位创作者本身的价值体系。

价值体系和认知才是决定一个创作者走多远的根本。

什么是作者性？

是他的作品里一贯的一些风格和观念。

比如，在《三块广告牌》里，马丁麦克唐纳依然借神父这个片段，反馈了他对上帝的质疑（但这不是反基督），犹如他早年戏剧《枕头人》里的“小基督”，也像《杀手没有假期》中血腥、罪恶的事情发生在教堂里。

马丁-麦克唐纳建立的是这样一个秩序：上帝你看，这些赤裸裸的恶都发生在你的眼皮底下，然而你却不作为，甚至还助纣为虐。

这是一种可探讨的鲜明的作者倾向。

如果我们在未来整体观照马丁-麦克唐纳所有作品时，这将是概括他作者性的标识之一。

正因此，我们看好一位新导演，往往是看好ta作品折射出来的，可以被称为“作者性”的潜质。

我往往因此而原谅他们在视听上做的不那么好的地方或者错误，因为视听是可以持续改进的，但作者性可遇而不可求。

而那些历史上的大导演也并非部部电影都好，但依旧被我们选取观看，也是因为ta建立起了强大的“作者性”并创造出一系列的作品秩序。

否定作者性，基本就是在否定哲学的意义。

当一个人作者性里出现了歌颂沙文主义、纳粹主义的时候，我们才会说，这个创作者坏到骨子里了，但仍然不会去否定他有创作艺术的权力。

◆有人觉得《广告牌》后半段戏剧性太强，转折过于刻意。

其实如果回想整个奥斯卡最佳影片提名电影会发现，每一部都有类似的戏剧性转折，比如：cmbyn里要结婚的oliver和父亲请来的gaycouple；《金钱世界》买了报纸就有风来吹乱它们；甚至《至暗时刻》里都强化了历史事实的悬念感。

当我们看到一些强戏剧性情节时，务必不要着急去指责刻意，应该去关注这背后的戏剧力量是否守恒和它的作用是什么。

当故事到了后半段，主角的怒火并没有得到应有的结果，他们将陷入一种不上不下的境地，该继续还是该停止？

这个时候优秀的创作者都会安排一个强戏剧感的情节，来给这种累积下来的内力一个发泄口，于是才有了这些强转折，强转折之后，男女主角力量回归平衡，进而出现一个开放的结局，这个结局仍然反馈的是创作者的真实态度。

看到这里我是笑不起来的。

为了写这篇文章我还特意去翻了侯麦《春天的故事》。

在电影里，当两位主角陷入一个僵局，这时候那条项链突然就出现了。

这跟《广告牌》很像，也不是刻意的，因为项链缓和了那种如鲠在喉的感觉，这是创作者的善良之处，也是故事累积力量后的必然。

如何看待一个冲突是精心设计，还是刻意算计？

可能需要你对一整个文艺史有所涉猎。

◆有人觉得《三块广告牌》太聪明，是生搬硬套、故意要表达观点而强扭出来的，他同时举了个例子《以你的名字呼唤我》是从生活中生长出来的。

关于这件事，非常好反驳了。

所有的黑色幽默作品，所有的荒诞作品都是为表达而设计出来的，有哪个傻逼愿意现实中去等待戈多吗，有谁能把自己变成一只甲虫。

现实题材是从生活里长出来的，但是超一下现实、后一下现实、魔幻一下现实，就必须要在现实之上去创造。

黑色幽默和荒诞本身都是建立在智识基础上的。

观众可以悲，可以喜，但要让观众又哭又笑，则需要创作者有智慧。

日复一日在这个世界上重复，很少人觉得这是荒诞，且没有人会无意识地觉得这很荒诞。

当意识到荒诞，意味着你开始动脑筋了。

这种批评的言论，真的算为批评而批评了。

你看，我来为tb背书，也并没因此而去说cmbyn有多不好。

读书有用。

◆有人甚至觉得《三块》太不正确了？

这简直是一种误读。

那么，我讲个马丁-麦克唐纳自己的故事来回答创作者是怎么想的。

如果老人是创作者，纸飞机是作品的话，那么他显然并不真的想救人，而纸飞机却救下了小男孩——有一个聋哑的中国男孩，他走在一片荒芜的原野上的一条铁道上。

在大概十英里外有一辆火车正急速地向他驶来。

然而这个男孩浑然不知。

在前方不到一英里的地方，有一座奇怪的高塔。

高塔里住着一个留着长长的胡须，戴着一顶奇怪帽子的孤僻老人。

这个老人从来不与他人交往，而是天天潜心于自己的各种设计，各种研究，各种计算。

这天，他刚完成了一次计算，然后随意地抬头从拱形的小窗往外看去，看到了那个男孩。

当然，还有那辆火车。

当然，也预见到了小男孩也许会被火车撞倒。

但他没有采取任何救援的行动，只是坐下来又开始了新的计算。

他在算大概在多少时间后，男孩会被火车撞倒。

很快，他计算完毕了。

这时候，男孩离高塔还有30码。

他的计算结果则显示，男孩将在离高塔10码的时候被火车撞倒。

算完以后，他又对这一切感到无聊了。

他把计算结果折成了一张纸飞机，随手一丢，丢出了那个小小的拱形窗子。

就在男孩走到离那座高塔11码的时候，他看到了那张飞出来的纸飞机。

他立刻兴奋地跳出铁轨，冲向那纸飞机去了。

就在他离开铁道的那一刻，火车从他刚站的位置上呼啸而过……政治正确不是创作者第一考虑的东西，而是作品出炉后，作品自己的生命轨迹，并且这个轨迹是不受创作者左右的。

还有一周就要举行奥斯卡颁奖了。

以前写颁奖季影片比较少，对我来说是一种懒惰。

因为时间差的关系，往往在我能看到提名影片之前，便已有大量的相关批评已经发表。

再加上近几年奥斯卡的口味越来越趋于同质化，提名影片带来的惊喜越来越少，写作动力严重不足。

并非说这些提名作品质量不如往日。

从传统美学来说，这些作品都属于上乘之作。

只是独特性越来越低，早已固定为一种冲奥式的高级套路。

现在，唯有外语片和纪录片还能时不时给人一些新鲜感。

一、奥斯卡口味今年是奥斯卡的90大寿，好莱坞又相当不太平。

提名名单受各种因素影响，比如整风运动，还有政治经济环境，显得又很乏味陈腐。

这个90周年典礼怕是很难出彩了。

奥斯卡关注影片对角色的塑造，对文化的解剖，要求有某种现实主义底色。

纵观这几年的提名影片，又彰显出奥斯卡开始青睐新历史主义的趋势。

每年都会有一批新历史主义倾向的传记片获得提名，比如《国王的演讲》、《林肯》、《第一夫人》，还有今年的《至暗时刻》。

此外，诸如《聚焦》、《为奴十二载》、《逃离德黑兰》，以及今年的《华盛顿邮报》这种非传记片，奥斯卡对其的评判也都有着鲜明的新历史主义特征。

然而，奥斯卡的视角永远更关注美国本土电影。

这当然是由于它的奖项性质所决定。

这些美国本土电影，又以非好莱坞体系为主，即独立电影或大制片公司下的文艺片。

像《鸟人》、《聚焦》、《海边的曼彻斯特》均属此类。

（当然，还有政治很正确的平权影片）《三块广告牌》是这一批次里的佼佼者，非常符合奥斯卡的口味，今年它的赢面也最大。

严格来讲，本片对冲奥片的套路并没有太大的突破和颠覆。

然而可喜的是，作为英国人的马丁·麦克唐纳，拍了一部原汁原味的美国电影。

虽然以前我们也看到过很多他国导演对美国电影的精彩诠释，但是马丁这次还是让人眼前一亮。

影片的电影语言极为扎实，各个环节都非常成熟，几乎没有纰漏——虽然这并没有给我们带来更多的惊喜，骨子里还是奥斯卡电影最熟悉的味道。

但是极其出色的剧本，以及深入灵魂的人物塑造，还是相当令人赏心悦目。

这是一个典型的美国故事，关于愤怒、治安、种族歧视、暴力、南方保守主义等问题。

在看电影之前，私以为这又是一个失去孩子的母亲的愤怒控诉，就像《换子疑云》等那样。

却没想到，影片并未如此泾渭分明。

《三块广告牌》里有两个极具弧光的人物，一个是母亲米尔德丽德，一个是警员狄克森。

二人将影片带入古典叙事之外的新境界。

最初看完电影，给我的最大感受是：这个剧本真的太难了！

不仅创作本身就是一件非常艰难的事。

写就之后，如何进行影像化处理，也能看出来既复杂又危险。

复杂在于，这个故事里几乎没有功能化的主角，以母亲、警长和暴躁警员最为难写，其次是儿子、前夫、侏儒、广告商这些带有一定功能性的配角，再次是医生、老警员、黑人警长、退伍军人、警长妻子等更具衬托意味的角色，写起来也费周折。

危险在于，要如何安排他们的出场？

如何让他们在故事中做出令人信服的选择？

选择的结果又如何与其他人产生化学反应？

这种化学反应又如何作用到影片故事上，产生层次感？

只消一有偏差，整个故事的可信度便将崩塌。

非不是技巧高超的编剧可以驾驭。

因此，本片是典型的“刀刃剧本”。

处理恰当，将会让故事和人物犹如刀锋一般，深深刺入观众心中。

处理不妥，则会令尖刀伤及自身，带来灾难性后果。

从成片看，《三块广告牌》是基本成功的。

它并不完美，并不是每个人物都处理得当了，但主要角色的高光表现，直接将影片推进到另一个高度。

二、米尔德丽德弗兰西斯·麦克多蒙德所诠释的米尔德丽德，身上不仅具备强烈的工人阶级属性，同时也具有最原始的、动物般的母性。

时而如疯狂的犀牛，时而似脆弱的麋鹿。

整个故事下来，我们发现，她实际上是在用愤怒和暴力，去掩饰自己的脆弱无助。

这种愤怒所衍生的暴力，不仅外化于举止，更呈现于言语。

她让自己的内心涂抹战妆，抛弃一切理性与温和。

在外人面前永远表现出一种冷漠的拒绝，并极富攻击性。

这像极了大自然中失去孩子的雌性动物。

米尔德丽德用狰狞的面庞，去消解自身无法找出凶手的困扰。

愤怒的背后，总是指向某种无能。

米尔德丽德只得将獠牙咬向身边关心她（无论这种关心是否真实）、或者并无恶意的邻居。

这些人有神父、警长、甚至自己的儿子。

我们常说一种好的人物塑造，要像剥洋葱一般，一层一层揭露心境。

本片中的米尔德丽德，是编剧写人的范例。

起初，我们只知道她因女儿被奸杀而愤怒。

后来，我们知道了她可能忍受着不为人知的家庭暴力。

再然后，我们得知女儿之死，与她不肯借车也有莫大关联。

她在女儿死前，甚至以诅咒道别：“我也希望你在路上被强奸！

”结果一语中的。

至此，米尔德丽德就鲜活起来了。

她成了跳出银幕画框，与我们所处之现实紧密相连的某个身影。

影片运用各种对白与闪回，去层层剥开米尔德丽德过往的三个方面，阐释其何以至此——虽然我总觉得闪回用在本片很不高明。

无论如何，她的愤怒、脆弱、懊悔、自责、敏感、疲惫，以及如今与人交恶的言行，全都有了立足之地。

她纵火警察局的极端行为，也有了令人信服的理由。

再加上麦克多蒙德无懈可击的表演，使这位母亲焦灼的灵魂，自镜头前展露无疑。

三、狄克森与之对立的，是暴力警员狄克森。

起初，他的暴力看似是无差别无缘由的，甚至像极了某种躁狂症患者。

他对警长威洛比的忠心服从，令他对工人和广告商出言不逊。

直至威洛比自杀后，他甚至把韦尔比扔下了窗户。

故事进行到这个时候，多数人都认为狄克森大概是类似于反派的存在。

他不断阻挠米尔德丽德的控诉，同时用暴力去骚扰周边的反对者，破坏他们的生活，消灭他们的声音。

而从周围人对其种族歧视的评价可以看出，狄克森的黑点还不止针对于米尔德丽德。

他就像一个典型的坏警察，没什么破案的本事，却用一身脏兮兮的制服压迫良民，甚至让人怀疑其祖上是不是三K党。

但是影片最大的转折也来自狄克森，这也使得《三块广告牌》显得有些与众不同，成为影片中浓墨重彩的部分。

其实在这之前，镜头便给出了暗示，比如狄克森桌子上一直放着的案宗。

我们看惯了许多情节方面的转折，以悬疑电影居多。

然而对于《三块广告牌》这种典型人物驱动叙事的作品来说，正是复杂深刻的人性与情感，造就了影片后段印象深刻的转折。

故事中的人物，受到某种启示，改变了自己的价值观，进而做出与之前相反的选择，产生一系列不同的结果，将个人命运和事件发展，由坏变好，或反之。

狄克森的启示，来自于威洛比的遗书。

此刻先不去分析威洛比的自杀和遗书，对故事所造成的罅隙。

至少从剧情的结果来看，遗书唤醒了狄克森理智的一面。

如此，便驱散了故事伊始便伴随着的刺鼻的火药味，促成了影片后半段截然不同的走向。

狄克森这个人物，实际上比米尔德丽德更难写。

稍不留神，就会编排的脸谱化，味同嚼蜡。

本质上，狄克森与影片中的多数人一样，是不稳定的，是难以预测的，是极度真实的，并非一种刻板的戏剧形象。

米尔德丽德纵然有其多面性，而狄克森的多面性则更立体。

他的南方人本性，他所受的教育，家庭，职业经历，影片中都有所指。

与米尔德丽德集中式的抽丝剥茧不同，狄克森的性格和心理塑造更发散，显得较为零碎。

他是次要人物，将之戏份打碎，融入到整体剧情中，也是比较常规的一种手法。

这就需要观众跟随影片去拼凑出一个完整的狄克森，然后去思考他转变背后的因素。

这便与米尔德丽德形成了某种反差的张力。

为了表现狄克森的冲动与暴虐，电影在视听上也进行了风格化的处理。

本片绝大多数时间的镜头都隐没于人物和故事中，并没有显见的辨识度。

而当得知威洛比去世后，一段四分钟的手持长镜头，一改之前克制的视听风格，配一首《His Master‘s Voice》，去表现怒火中烧的狄克森，化为野兽后的不稳定状态。

镜头剧烈摇晃，跟随他步入对面的广告公司，近距离目睹他殴打韦尔比，并将其扔出窗外的一系列暴行。

这是狄克森这个角色性格心理背的一次极端展现。

在读过威洛比的遗书后，狄克森这个人物也变得越来越丰富。

他找回了自己的理智，变得更有人情味，甚至唤醒了自己的破案头脑，想到用DNA去确定凶手。

他也达成了与米尔德丽德的和解，甚至一起上路去实施另一段“复仇”。

两人之前的怒目相向，顷刻间化作过眼云烟。

这位暴躁的警员，便是支撑影片的另一根立柱。

山姆·洛克威尔无与伦比的表现，对表演细节的处理，都很令人折服。

四、威洛比警长威洛比在影片中断便死了。

他的自戕给整个故事带来了全新的面貌。

但是私以为，在剧作上，这个角色后期的发展拖了影片后腿。

当然，伍迪的演技很棒。

米尔德丽德的三块广告牌，醒目的猩红背景，配上黑体字，给人视觉上一种压迫的警示。

三块广告牌直指威洛比警长的不作为。

如果观众此时带入到米尔德丽德的立场，便会设想这可能是一个腐败且无能的警长。

实际上，影片将威洛比塑造的非常高大上，给故事带来了不少正能量。

他身患绝症，顾家，对下属非常亲切，受到艾宾镇民的爱戴。

除了没有破获奸杀案，威洛比在其他方面并无什么过失。

起初，镇上的人还对米尔德丽德报以同情，但当三块广告牌竖立起来之后，人们对这位母亲充满了负面情绪。

威洛比揭示了米尔德丽德愤怒后的盲目。

他本不应该成为这位母亲控诉的对象。

但是米尔德丽德的怒火早已无法熄灭，只能用大字报的方式诘问警长的不作为。

威洛比即便私下找她解释，不一定每件案子都能如期破获，也有许多悬案令人头疼。

换来的却是米尔德丽德的羞辱。

因此，他的自杀是影片中最大的事件，是前后故事的分水岭。

他的死亡也引出了三封遗书。

这三封遗书犹如圣经一般，点醒了处于怒火中的米尔德丽德和狄克森。

在我看来，这种叙述值得商榷。

没有威洛比的死亡和遗书，故事很可能会朝着更阴暗的方向发展。

是遗书改变了整体情节的基调。

对于影片主旨来说，自杀是不可或缺的。

但由此带来的，则是叙事节奏上的突进。

简单来说，威洛比的遗书作用力太大了，他的死所带来的推动效果太过强烈，一下子便冲刷掉了几乎所有的纠结与矛盾，这很难不让我觉得是否有种投机取巧的嫌疑。

其显而易见的功能性，令影片后段的故事有些缺乏过渡。

五、艾宾镇即便威洛比被刻画的太过正面，较为单一。

但是影片显然是想透过这个人物，告诉我们愤怒的失衡，以及人性中的光辉一面。

这些是老生常谈的问题，重点在于作者如何述说。

《三块广告牌》将故事设置在一个虚构的小镇中，但是州名却用的密苏里州。

我相信这是马丁·麦克唐纳巧思的结果。

这种半虚构式的舞台，在营造距离感的同时，又蕴含某种寓言性质。

虚构是一种假设，等于在安全屋中创作，规避了许多麻烦。

但也别忘了，虚构也是一种泛指，可令所探讨的问题，辐射到更广的范围中去，或者成为某种共有现象的缩影。

艾宾镇是影片的全部场景。

这种封闭的场景剔除掉了许多不必要的戏剧元素，从而让观众得以全神贯注于人物与故事。

除了米尔德丽德、狄克森与威洛比外。

我们还能看到镇上的各色人物。

他们或多或少都代表着美国的某个群体。

米尔德丽德的前夫查理，是一名家庭暴力者。

美国的家庭暴力现象较为普遍。

这种人固然可恨，但也需要我们去探究其背后的社会和家庭文化因素。

影片并未深入剖析家庭暴力，但还是通过一场戏有力地呈现了其所带来的恶果。

查理的家庭暴力行为，不仅让这个家支离破碎，还令米尔德丽德和儿子罗比长期处于一种压抑的情感状态中。

而影片中那名向女主挑衅，并且在酒吧大肆吹嘘自己如何强奸一名女孩的退伍军人，又让人嗅到一丝反战的意味。

再结合黑人警长告知狄克森，此人并真凶，因为他在案发时“正在一个到处都是沙的国家服役”，而狄克森却一头雾水。

这种滑稽至极的讽刺味道，不言而喻。

包括接任威洛比的黑人警长，都有可挖掘之处。

本片聚焦于一个女儿惨遭奸杀的母亲身上，但也别忘了她的蓝领身份。

因此，底层对政治的漠不关心，战争所带来的隐隐后患，无法根除的种族歧视，空洞的政治正确，都在影片各处以细节呈现，以闲笔带过。

丰富了故事文本，也提供更多的解读角度。

六、自由情感前面说了，奥斯卡喜欢平权，喜欢政治正确，喜欢新历史主义。

但学院派的老头们真正所在意，还是作品对自由情感的表达。

人类存在着两种不同类型的情感：自由情感和必然情感。

所谓自由情感指的是刺激源和这种情感对象之间没有任何直接的利害关系条件下所产生的情感。

美的本质就在于自由情感。

奥斯卡近百年的评奖历史，证明人性二字，是社会大众和学院派评委最好的共同的趣味激发源。

《三块广告牌》本质上切中的恰恰是这一点。

剥开表面上充满火药味的故事，本片讲的，就是人们从必然情感过渡到自由情感的过程。

毫无疑问，只要是一个生理和心理功能健全的人，都会受到情绪化的影响。

而作为单一个体的你我自身的生命体验，也都证明了一个颠扑不灭的真理：只要是一个理性的人就必然是一个感性的人。

本片中的各个角色，都有让愤怒扼杀理智的时刻。

然而有人也最终找回了自己的理智，没有令整件事陷入万劫不复之地。

虽然代价是威洛比警世般的自杀，而遗书也让他的死颇有殉道意味。

什么是必然情感？

米尔德丽德因女儿之死而愤怒，因广告牌被烧而放火警察局；狄克森因看到广告牌而破口大骂，因警长自杀而殴打他人；牙医对米尔德丽德的鄙视；退伍士兵对米尔德丽德的挑衅；罗比对查理动刀……这些必然情感，在本片集中体现在冲动的暴力上。

这些情感暗含着人类中利害关系的一面。

这里的“利害”概念比较宽泛，不仅是权力与金钱，还有社会法则（法律）和道德伦理。

与之相对的，米尔德丽德看到威洛比吐血而紧张惊慌，主动感谢并回应狄克森；狄克森在大火中抢救案件卷宗，已失去警员身份却为破案而惨遭毒打，被烧伤却未苛责甚至报复女主；韦尔比给受伤的狄克森送饮料……这些都是自由情感。

本片用人物和解的方式，将自由情感的可贵和稀缺性展现给了我们。

自由情感的激发，预示着角色将在未来更主动、更清醒地掌握自己的命运，从而有可能摆脱痛苦和焦虑的困境。

米尔德丽德和狄克森一笑泯恩仇的对视，便是这种情感的最佳注脚。

世俗化的必然情感在人类的生产生活中大行其道，归根结底在于人性的异化。

这也是个老生常谈的问题。

而造成人性异化的原因，除了马克思所指出的经济和物质因素（金钱崇拜）以外，还有政治、伦理和文化上的。

本片深层次的内核，便是在揭示后三者对人性的异化。

美国电影往往弘扬个人主义的抗争。

《三块广告牌》则通过始暗终明，先抑后扬的叙事，提醒人们这种抗争可能带来的另一种结果。

因为异化后的人性，我们很难判断它的正当性。

米尔德丽德确实有理由用各种方式表达愤怒，这体现了她母爱的一面。

但她也确实伤害了不少无辜者，这是盲目和冲动的结果。

这种盲目，我们很难说没受到异化的影响。

狄克森就更别提了。

不过话说回来，影片其实仍然歌颂个人的自由意志与抗争的权利，但同时也提醒着感性威权的危险。

所以，当冲动而暴力的必然情感过渡到理智而自由情感后，我们能从人物的言行举止上，体会到这种威权散去后的宝贵情感。

当然，相对感性威权，还有一种理性霸权。

一旦理性上升到霸权，那么理性固有的光辉也将黯然失色。

本片没有涉及这方面的探讨，就不展开说了。

所以，当影片在一种升华的情绪中收尾后，导演显然是希望点出人性中美好的部分。

那三块招致非议，蕴含极端负面情绪的广告牌依然矗立在那里，却再也没有人关心它们了。

但是另一方面，米尔德丽德和狄克森，是以去报复凶手为由踏上和解之旅，这仍然是感性驱使下的行为，也难免伴随着冲动和愤怒。

他们会不会杀掉那名退伍军人？

影片把答案推给了不同立场的观众。

而我们，面对这样的问题，再反观自身的生命体验，又将做出何种反思呢？

不论是情节设置和演员的表演都挺好，影片中每个人物都没有明确的正反派标签，吊儿郎当的警员在警长一封信的鼓励下，竟然与女主一起捍卫正义，女主痛失女儿让人同情，但却敢放火烧警察局，警长看似威严，在疾病面前却像个孩子，不禁让人思考：自己在这样的环境下究竟该如何选择，整个剧情不断反转，也不断的考验人性，相当揪心，好在结局不错，推荐给大家看。

关于制度，人权，社会之类题材的作品，已经成为提名奥斯卡的一项显著特征了，而且这种题材的剧情片在豆瓣上也总是能得高分，感觉这都是毛病，这部电影的情节真的很无聊，很无聊，很无聊，就情节吸引力而言还不如天朝的片子，所想表达的东西也是一眼看穿，没什么意思。

女主角满身毛病，真就如同影片里他儿子说的那样，“碧池”。

如果在现实生活中应该是最让人烦的那种女人了，不管戴上什么样的光环坚持什么样的原则都是一样，不过也反映出演员演技不错，这点好评，让人想到16年《海边的曼彻斯特》，除此之外也没了所以就算是打发时间也不要看这一部电影

横扫金球奖最佳女主、最佳男配、最佳剧情片、最佳编剧四项大奖，在威尼斯电影节获得一个最佳剧本奖和一个金狮奖提名，马丁·麦克唐纳执导的《三块广告牌》无疑是2018年北美颁奖季的最大热门。

影片在豆瓣获得8.7的高分，并且将在今年3月引进内地，虽然是小范围的艺术院线上映，如果能在奥斯卡拿下几个重量级奖项，一定能引起观众的观影热情。

《三块广告牌》最大的亮点就是不落俗套的剧本，一个被电影节评委和观众普遍认可的剧本有哪些特点？

大海作为一名观影老司机，简单总结了以下几点：1、揭伤疤，反体制在好莱坞的电影中，其实有两种美国：一种是纽约、洛杉矶、华盛顿这样的繁华都市，虽然有怪兽、外星人以及各种反派的威胁，但也有超级英雄守护城市的安宁；另一种则是广大乡村，这些地区往往人口稀疏、经济滞后、民风彪悍，超级英雄也不屑于在这种地方维持秩序。

《三块广告牌》讲的就是第二种美国，故事发生在密苏里州的一座小镇，女主是一名单亲母亲，她的女儿死于一场奸杀案，警方却迟迟无法抓到真凶。

女主文化不高，觉得上面都是“按闹分配”，于是她租下了三块广告牌，在上面分别写道：“惨遭奸杀”、“为什么到现在还没抓到凶手？

”、“这是为什么？

威洛比局长？

”并请来电视台报道，直接向警方喊话。

影片很多情节展示了警方的种族歧视和不作为，用女主的话说，这些警察宁可把时间花在虐待黑人和吃甜甜圈上，也不愿意去抓捕真正的犯人。

面对质疑，威洛比局长毫不遮掩的道出美国执法队伍的现状：如果因歧视言论而开除警察的话，那早就无人可用了。

后来，警察狄克森找到了一名嫌犯，对方曾在酒馆里吹嘘自己迷奸了一名女孩。

但是新上任的黑人局长释放了嫌犯，理由是案发时嫌犯正在军队服役，驻扎在国外，而警方无权对军人在国外的行为执法。

黑人局长含糊其辞的向狄克森透露，这名嫌犯所在部队驻扎的地方有沙漠，因此可以推测是伊拉克、阿富汗之类的战乱国家。

美军长期在这些国家驻扎，并且不受当地法律约束，期间会发生什么样的事情，就任凭观众想象了。

2、善恶边界模糊，人物形象立体《三块广告牌》的戏剧冲突很多，在这些冲突中你无法断言谁一定是好人，谁一定是坏人。

奸杀案牵扯出受害者家属、警方、广告商、小镇居民等多方群体，即使是戏份不多的配角，也在错综复杂的人物关系中塑造出立体的形象。

影片的卡司阵容豪华，全员演技在线，因此在美国评论家选择电影奖、华盛顿影评人协会奖分别获得了最佳群戏。

在受害者家属中，身为母亲的女主一直为女儿的死感到自责，她与前夫的关系剑拔弩张，儿子罗比也反对她用广告牌喊话的做法。

当前夫带着19岁的新欢来到女主家中，儿子罗比是很高兴见到父亲的。

不过当前夫与女主爆发争吵，并对其拳脚相加的时候，罗比突然用刀架在父亲的脖子上，逼他放开母亲。

仅此一个镜头，就说明了儿子长期生活在家暴的环境中，虽然他经常与母亲争吵，内心却依然爱母亲多过父亲。

两个警察角色中，虽然女主用广告牌斥责警方不作为，但故事并没有朝着受害者家属与警方对峙的方向发展。

因为威洛比局长并非一个腐败官僚，他早已身患绝症，并且在小镇深得民心。

威洛比局长内心深处是非常希望将凶手绳之于法的，但他也知道这种案件告破的希望很渺茫，因此他用三封遗书告别家人，向女主道歉，并鼓励下属继续追查这个案件。

狄克森是一名有暴力倾向和种族歧视的警察，在女主用广告牌羞辱威洛比局长之后，他多次找女主和广告商的麻烦，甚至把广告商从二楼窗户扔了下去。

但狄克森也是一名富有正义感的警察，当他收到威洛比局长的信件后，为了保护案件卷宗不惜被大火烧伤；当他目睹体制腐败，任由嫌犯逍遥法外后，感到信仰崩塌，甚至萌生了自杀的想法。

而那个被狄克森从二楼扔下去的广告商，也是一个复杂多面的形象。

他一方面是市侩的，多次向女主索要租金，另一方面又有自己的原则，顶住压力拒不撤掉广告。

当他看到痛扁自己的狄克森全身烧伤躺在病床上，虽然很愤怒的拒绝对方道歉，最后还是递给狄克森一杯果汁，表现了这个角色善良的一面。

3、开放式结局虽然《三块广告牌》的主线是寻找凶手，但是一个好剧本通常都没有真相大白的环节，反倒是那种欲言又止、似是而非的开放式结局能够引起观众的讨论。

影片最后，狄克森找到了一个嫌犯，DNA却与案件不符，但狄克森知道他一定是其他奸杀案的凶手，于是和女主通了个电话，被仇恨折磨的女主得知有一名嫌犯逍遥法外，当即同意与狄克森一起去嫌犯的家里。

在路上的时候，女主和狄克森讨论要怎样对待那个嫌犯，要不要杀死他？

他们没有做出决定，小镇奸杀案的真正凶手是谁，影片也没有给出答案。

主人公只能通过“私刑正义”的方式消弭内心的仇恨，这再一次表达了影片创作者对司法体制的失望。

值得庆幸的是，经过一系列的冲突，女主终于不再像刺猬一样，伤害身边那些企图帮助她的人们，狄克森也收敛了暴戾的性格，虽然他失去了警徽，却得到了主持正义的机会。

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电影是里最感人最震撼的一幕是米尔德雷德警察局纵火。

眼睁睁看着三块广告牌被烧毁的她心中充斥着怨恨和恼怒，比女儿奸杀案未破更让人感到仇恨满腔。

纵火之前她一直在往警察局打电话，直到确认警察局没人才开始扔燃烧的酒瓶。

这个动作很快很自然，电话铃声一声一声的响起，让观众确认，米尔德雷德不是一个丧心病狂被仇恨充斥的疯子，更不是一位包容正直充满爱的虚伪人设。

被熊熊火焰包围的警察局里边是正在读威洛比遗书的狄克森，耳机里放着“当真挚的心已枯萎，所爱的人已逝去，谁还愿留在这荒冷的世上独自凄凉”，所以他一直没有听到米尔德雷德的警示电话。

狄克森一名暴躁的警察，会把无辜的广告商从楼上扔下来，然而威洛比在遗书中告诉他：你真正需要的是爱，只有通过爱才能达到内心的平静，而你在我心中一直是个好人。

当他意识到自己已在火海中时，一边说着fuck，一边把桌子上的安吉拉奸杀案案卷塞到自己衣服里。

米尔德雷德看见满身是火的狄克森，旁边是案卷，那一刻她在心里与狄克森达成和解。

几分钟的镜头，是爱被恨包围，是爱冲出恨的包围，与对面那个原本是敌人，也许明天是朋友的人心中的友善拥抱在一起。

卑鄙与伟大、恶毒与善良，仇恨与热爱是可以互不排斥地存在同一颗心里的。

《月亮与六便士》人性不完美

昨天打开金球奖直播的时候，已经是狗爹上台发表最佳男主感言了。

不少人都评价说，这次金球奖简单、直接、无冷门，老老实实把奖都给了众望所归。

于是找来这次金球奖的大赢家三块广告牌来看，看完之后果然十分喜欢。

巧合的是，前两天看的杰出公民，也是一出发生在小镇人民之间的荒诞故事，相比于杰出公民里毫不留情的自黑和讽刺，三块广告牌里更多的却是理解和温情。

故事在一开头就迅速点题，女主角Mildred Hayes开车路过小镇道路旁空着的三块广告牌，决定加以利用。

因为自己女儿被绑架奸杀后七个月，警局也没能找到凶手，Mildred想出的办法是在这三块广告牌上直接打上标语质问警局和警长：为什么还没有抓到凶手？

看到有人评价Mildred是美国版江妈，Mildred在开场就是一个果敢、气势十足、无所畏惧、不留情面的形象，为了女儿，她不妥协不心软不达目的誓不罢休，但是在这一面之外，她面对Willoughby警长突然的咳血会惊惶失色，她面对警局的阻挠会暴怒失控，女儿的空房间、儿子的责难会让她流露出压抑不了的愧疚、悲伤和柔软，陌生人的威胁下，强撑着面不改色的她也会害怕，广告牌被烧时，她会有瞬间的脆弱和崩溃，站在上面不知如何是好。

这个母亲的形象刻画的很真实、很细腻，因此到最后的原谅和化解，也显得非常自然。

电影不只把所有人物都刻画得个性鲜明，也让观众很容易就能理解他们。

警局里脾气暴躁的Dixon，动用一切粗鲁的手段反对Mildred，警长去世后，他发泄悲伤的方式是把广告商暴打一顿从楼上扔下去。

但其实，他的出发点实在太单纯，甚至和小镇上其他反对广告牌的人民一样，只是因为警长人很好，要为他出头，这样的理由实在让人恨不起来。

影片里除了凶手之外没有彻底的反派，也没有杰出公民里自大、狭隘、愚昧、让人不寒而栗的小镇人民，他们会直截了当地对自己不喜欢的人和事物大飙脏话、大打出手，但是他们不仅让人恨不起来，还很容易让人对他们有了同理心。

当观众逐渐触碰到这些人物的每一面时，会感觉到一份真实的感染力。

这个故事并不是什么复仇的故事，里面却有很多黑色情节的设计：Mildred的前夫是会家暴的警察，儿子在家暴环境下已经学会用刀来威胁父亲，Dixon有恋母情结、暴力倾向、种族歧视，虐待黑人，他的母亲也是种族主义者和暴力崇尚者，警长说警察局里除了种族主义者剩下的恐怕都是恐同者，威胁Mildred以及有虐杀嫌疑的军人，被军队机密一笔带过。

说到底，真正在小镇上传递爱的是警长，他却是以放弃与病魔抵抗而自杀的结局收场。

影片的情感很克制，没有刻意黑化社会不公、公务系统的无能来煽情Mildred悲惨的遭遇，也没有一言不合唱起爱的救赎赞歌。

人物行为既不抓马也没脱线，活动在合理解释的框架内。

到后半段，哀而不伤开始转变为爱与温情，虽然“Anger begets greater anger”这句至理名言是从全剧最愚蠢的女人嘴里说出来，但是却让Mildred有了第一个改变，不把酒瓶砸到前夫头上。

其实仔细看看，在“小镇人民已经习惯用暴力解决问题”的外衣下面，是一种无处安放的愤怒，那些政治、宗教、社会黑暗可能都不是影片最终想要聚焦的部分，而是人要如何处理自己的愤怒，在这些无力现实面前，怎样选择自己的抗争方式，又怎样与自己相处，和解，说服自己妥协与改变。

影片没有宣扬暴力，但暴力在某些场合，也是解决短暂问题的途径之一，暴力和爱也不是非黑即白的正反两面，在交错中，偶尔能让人看清楚自己到底想要什么。

被大家称赞的影片结尾，可以说是十分黑色幽默了，被警长一封信点醒的Dixon，真的在酒吧里听到了某“凶手”在吹嘘自己的犯罪行为，他认真记住了车牌号，用挨打获取了DNA，给了Mildred希望，也换来了她的一句谢谢。

但是，导演没有给观众一个皆大欢喜的结局。

两个一开始的死对头，燃起的希望再次被浇灭后，选择共同开始一场荒诞的行程。

这个开放式结尾，带着导演的一丝悲悯之情，让这些无处安放的愤怒与不甘，有了一个新的转移之地。

无论前方如何，这趟旅程已经开始了。

目前2018奥斯卡BP最佳影片赢面最大。

值得观看。

一片面面俱到、剧透得彻彻底底的影评。

标题是我起着唬人的喂。

3月2日全国艺联院线上映，大家可以自行选择。

本片的精妙之处在于恰到好处地平衡了各种社会现象的表现篇幅，看似各个方面都是轻描淡写，却以致实现在一个完全虚拟的故事环境下，还原真实的社会生态：社会潮流和个人自身生活的联系，是若有似无、却又无所不在；对于社群间的人际关系，则是理不清又无处回避。

1. 叙事构架和基础——「真」故事发生在「假」环境故事背景的时空选择上，「三块广告牌」发生在密苏里一个叫Ebbing的虚构小镇上。

回想一下，这是否是一个常见的故事假定前提？

这种人为假设往往有几个共性：地点虚构：密苏里是真实存在的，民国的西南大后方（国产片很爱用的时空选择）是真实存在的，但创作者又把虚拟的具体地点安营扎寨在真实环境中。

相对封闭的空间性：整个故事都基本都在这个场景下发生，有点独幕剧的意思；场景外界的影响少而间接，只作旁白式的交代，例如他去重庆了，他从重庆回来了，并不直接把在重庆发生了什么搬上台，不发生除了虚拟场景以外的地点的直接沟通。

在如此纯粹的环境下，一方面既杜绝了天马行空的脱离现实性，但又保留了对故事起承转合的掌控权；总之，在一块完全的空白画布上，作者得以施展完整的世界观创作。

虽然前面这些写的比较繁琐，但这是创作的第一步；有了这个基础，才能实现交互性这个目的。

现实类的、揭露社会问题倾向的剧本必须在戏剧性和给人可以感知的真实性之间做个平衡，也就是shocking and real并存。

因为场景架空，就必须以充沛的、复杂交错的、尽可能仿真的交互性来实现，I don't know where it happens but I know it's real for sure的目的。

但并不能以单项、中心思想的目的为出发设置各种情节冲突，如同生活本身最多算是螺旋上升的，生活本无从谈起其目的性。

故事有目的，故事创作者以此来表达个人观点；别忘了故事本身可没有是非观、也绝无倾向性。

身患绝症时日不长的警长Willoughby在和女主角Mildred Hayes对质时，因情绪激动无法控制地喷出一口病血；而当他躺在担架被送往医院途中，他却不忘叮嘱下属不要因此为难Mildred.最让人感到有悖常规逻辑的是，Willoughby在身中主动提出帮Mildred支付内容为一个月公开责问自己的广告牌的租金。

Mildred是警局纵火事件的制造者；而Dixon作为火灾受害者，尽管猜测到了纵火的真相，却丝毫不放弃帮助Mildred捉出嫌犯的蛛丝马迹。

Dixon把广告牌出租方Welby扔出窗户造成住院，却意外受到后者慷慨的安慰和关心。

的确，社区容量越小，成员之间关系越显亲密，又爱又恨，既毁了他，又有求于他，种种情感得以重叠在同一个对象身上，就越盘根错节。

我们可以用这样一种解释，情感难言对错；但每个人都在社会中do their own part,这是最付出了多少努力，就能得到多少回报的掌控度较高的事了。

那么回过头来，以评鉴角度来看，为什么我觉得国产片的「驴得水」、「不成问题的问题」太戏剧化了？

在这些影片的情节设计中，都具有浓厚的作者观点性和人为导向性，人的动机和出发点只有一个——那就是实现本片主旨。

人是复杂的，生活是难辨对错的，失去了这一种是非模糊，也就脱离了生活的真实性。

哦还有镜头一动也不动（偷懒）这一点加成。

2. 略略影射：宗教势力对于社会事件的明暗态度本片中出现了社区教父这一角色，出面为Mildred的广告曝光做息事宁人的平息周旋。

这绝对是导演的有意安排，增设的两组对比（另一组在下文），用虚构讽刺现实。

影片中神父来到Mildred家中拜访，希望她撤下广告牌，消除对社区形象的不良影响。

家丑不外扬的出发点，不由让人想到震惊全美的神父亵童案件（「聚焦」取材的真实故事）。

教父想要put it down，仅仅是出于维护社群关系表面和平的关系，却让人联想到可能的更大阴谋。

教会势力不仅对恶行冷眼旁观，甚至可能是恶性的制造者。

反政治正确（一个亮点）有意思一笔在于，有一处Mildred反问警探Dixon黑奴事件处理得怎样了，这里可以理解为Mildred为了在对话中获得先发制人的气势上的优势，抛出了一个对方难以回答的棘手问题，责难Dixon之意大于实际问责的目的。

借机借Dixon（一个传统南方州PD）之口，导演蜻蜓点水般地，有意无意提及了对于有色人种的态度。

如今西方社会对于种族平权的矫枉过正似乎是人人心知肚明，但又是种心照不宣、不敢不随波逐流的过度政治正确。

更讽刺的是，说辞上政治正确了就万事大吉，没人关心虐待事件本身究竟发生与否。

新闻传播中的泛道德化树广告牌本身就是一种寻求曝光和唤起公众认知的做法。

值得注意的是，Mildred第一次接受电视台的直播采访，同样是想借助媒体传播之力。

但到了后程，媒体兴趣和利益发生转向。

Willoughby的自杀是一个绝妙的转折点。

在这个节点上，观众会非常紧张接下来的篇幅是否会描写媒体追逐新闻爆点和民众易被煽动的情绪结合，造就又一出泛道德化的舆论迫害？

本片以画外音（新闻报道之声）点到了这种倾向，Willoughby的自杀原因还未查明，但是否与前几个月Ebbing小镇上对他的公开谴责广告牌事件有关呢？

在此刻，Mildred的心里估计也是十分担心这种舆论发酵的可能性。

但影片的做法依旧是略带一笔，没打算在这个问题上做过多停留。

的确，并不是每一次真相都会被利益性解读，大多数的节外生枝并没有那么猖獗的生命力。

第二次同样在三块广告牌前，同样是摄像机和直播的记者，Mildred这回是开车路过，她毫不掩饰自己对于媒体态度不信任态度。

立起广告牌更多的只是情感的宣泄口，随着故事的发展，Mildred越来越明白，想要实现自己的目的，不得不自己来，借力只能是锦上添花。

3. 人物行为动机：探讨「执着」究竟有无意义同样是女性维权，寻求曝光，不由让人想到发生在90年代中国的「秋菊打官司」，而主角同样是来自小镇的家庭女性。

尽管发生在不同时代，不同国度，这里是竭力找出凶手，后者是要个说法，缺没把现实实行的可行性和达到目的的可能性完全考虑在内。

这种“我不管，这事儿非得XX”的执着较劲的劲儿，我想在女性身上比男性是要强得多（纯客观描述）。

不管执着本身有无意义，还是给自己心理上一个交代（无论结局如何，我都尽力了）。

而故事发展必然是情绪的渐渐平息，片尾Milred说，我们可以在路上再做决定；抗争过程似乎慢慢消耗较劲的能量的过程，如同大吵一架过后的精疲力竭。

两位女主的另一个相似点是，对事不对人；Willoughby和村长都属于小地域上的有所威望的权力阶层，他们绝不是恶人，或许在这件事上处理欠妥，但把全部居民的矛盾都（通过此事件）指向他绝无可能。

棘手之处在于，总体上说他是个好人，还是挑明他此次的失职；尤其在一个人与人之间关系黏合度非常高的社会里，情与法，就事论事是不是就与撕破脸皮划上了等号？

Willoughby命不久矣的身体状况，村长最后又成了秋菊的救命恩人，又把人物间的关系包含进了性命的这个高度的元素，便使得问责人的权力受到自身良心的拷问和外界对于其不仁的质疑，进而更只能把追究就事论事的权责对错含糊过去。

4. 细节处理上：细节击中痛点与矛盾的整体趋向和解（我常常谈的一点）以上观点在「海边的曼彻斯特」中得到了淋漓尽致的呈现（非常有意思的是这段对白出自同样出演海曼的Lucas Hedges之口），同样是以不幸事件的承担者做主角，海曼以细节的关注出发，触发观众感同身受的敏锐痛觉（比如Patrick由冰箱门联想到freezer里的尸体，种种物是人非、物物相似性的瞬间联想，实现了影片中主角情感的即刻触发，而经历的共通性顺延到了观众的同步情感共鸣，有兴趣可以看我之前详细写的「海边的曼彻斯特」，100%源于生活。

）；与之侧重点不同，三块广告牌总体风格是事件因果、环节盖过内在情感勾连构建。

如果说海曼是亲近一个不幸的人，那么三块广告牌并没有太多关注不幸本身，而通过不幸做爆发线索，牵扯出事件参与者之间的错综联系才是其目的。

以下是抖机灵的插科打诨时间 先吐槽一下开场前半小时我觉得太太太出戏了，为什么呢？

以下截图可以近期不同片子里同一个演员、极其相似场景的无缝对接。

在影片中Mildred还有个儿子，他刚出现的时候我是十分震惊和错乱的。

没错这就是海曼中的未成年男生，一样是常常坐副驾驶，一样是在副驾驶上和遭遇不幸的家长争论。

这两个角色都是影片中的辅助性角色，相似度太高了。

一路开车从麻省到南方，镜头几乎是可以无缝替换，根本无从分清出处。

Lucas Hedges in Manchester by the Sea (2016)

Lucas Hedges in Three Billboards (2017)你以为这就结束吗？

接着如果看「伯德小姐」（今年热门，很红），这个男孩子又出现了。

连同是Timothee Chalamet（今年一样很红很热门的「Call Me by Your Name」的主演）一起出现在了加州首府Sacramento，哇这真的是时空错乱。

同样，「真探」中的Woody Harrelson，时隔两年再次出现的Missouri警探，发型和执勤的州名都不换一下的。

镜头依旧可以无缝替换。

Woody Harrelson in True Detective S01E01 (2015)

Woody Harrelson in Three Billboard (2017)*本文转载请联系作者，谢谢合作。

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母亲表演的亮点满满整部影片都是。

如果没有她的演技影片会逊色很多。

最让人揪心的是，前夫说“为什么女儿死前一周还问我能不能和我一起住，我和她说，待在家里吧，妈妈很爱你”母亲听完，马上崩溃，扭曲着脸连说两次“我不相信你！！！

”那种突然被说破戳穿的痛苦诠释的很到位，她知道是真的，但又不愿相信，这种复杂矛盾的心情从她的眼神中可以看到。

看到那时，我挺难受。

还有一个镜头，山姆得知他找的那人不是凶手后给那位母亲打电话。

她说“我没有一天是像今天一样在希望中度过的”然后一直锤自己鼻子，可以看出一样破灭，然后接受还是坚强的母亲。

那种无能为力，最后一点希望破灭的无力神态也从她的表情体现出来，看后让我心生怜悯和感慨。

至于山姆，他让我印象深刻之处在于，黑人警官告知他那个人不是他认为的凶手后。

他听完有一瞬间的呆滞，当时表情马上变了，有种不敢相信的感觉。

然后再说“what!”这时表情肯定是会变得，他转换的很好，表现出一个小警察以为自己真能有些作用最后却又空欢喜一场的怀疑，倒是山姆表演的精彩之处。

为什么他们要怼天怼地怼空气？

休假归来，开始撸稿！

“可怜之人必有可恨之处”，或者“可恨之人也有可怜之处”，放在本片中很合适很早以前就看了这部电影，电影公映的时候又刷一遍，很简单，《三块广告牌》是我2017年最喜欢的一部电影（去年看的）。

放眼即将到来的奥斯卡，虽然作为“胖陀螺”的粉丝，很希望《水形物语》能收获大奖，但对于“最佳影片”这项，我还是投给《三块广告牌》（胖陀螺一定要拿最佳导演哦！

）

因为这是一部非常难得好电影，精彩的表演，精彩的剧本，近乎完美的情绪刻画，太难得。

导演马丁·麦克唐纳，戏剧导演出身，是一位天才。

首先来说剧本，《三块广告牌》无疑有着一个极佳的剧本，关于“好剧本”的定义是什么？

其实不仅仅是一个精彩绝伦让人意想不到的故事，就像《三块广告牌》的故事，其实就很简单，就是围绕一个怼天怼地怼空气的暴怒老妈的故事展开，但一路看下来给人的感觉就是“五味杂陈”，这就是电影艺术的魅力，拍电影并不是简单的给你讲一个好故事，否则跟听评书、看小说没什么区别了。

这部电影好在什么地方，其实很难用语言归纳，只有看过才会觉得好。

简单形容来说，通篇在静谧气氛下的难以言状黑色幽默，对于受害者的悲凉遭遇和行凶者的愤怒，以及角色所表现出来种种离奇行为的荒诞，让电影风格阴郁，又始终保持着让人感到孤独的忧伤，最后却让人心软，透露着些许的温暖，这是镜头和剪辑的功劳，一部电影占全了五种情绪，这才是难得的地方。

（本文将角色名字全部省略了，用身份代替，比如母亲、儿子、警长、警探等等，我写得也轻松，大家看得也方便）偏执的他们电影中的几位角色，都很偏执。

包括弗兰西斯·麦克多蒙德饰演的母亲，山姆·洛克威尔饰演的警探，伍迪·哈里森的警长。

乃至广告小哥、“小恶魔”那位角色、母亲的儿子甚至死去的女儿，所有人都很偏执。

用俗话来形容，就是“犟”，钻牛角尖。

失去女儿的母亲，凶手至今未缉拿归案，一怒之下迁怒于警察，三块广告牌红底黑字，以质问的语气去怼警长，一时间小镇炸了锅。

首先跳出来的就是警探，因为如果警长平日里风评不佳也就算了，可恰恰警长貌似平日里还比较得民心，而且还身患绝症，由此便开启了电影第一幕的故事。

第一幕故事，其实跟凶案的推进关系不大，就是看母亲跟警察互怼，以及跟站在警长立场的群众互怼，比如倒霉胖牙医，直接被钻透了手指‘而探员则每天吊儿郎当，也不见他办案，上班看漫画，下面作威作福，就是不务正业。

在这样的情节安排下，该片对观众的情绪调动，已经初见成效。

有的观众会觉得这位母亲太不讲理，怼天怼地怼空气；也有的观众当看到当地警察如此形象，也难怪破不了案。

这一幕，母亲、警长、探员这样的三角关系，维持着一个“和谐”的体系，警长充当双方的缓冲带。

当警长自杀之后，这样的平衡关系被打破，警探将广告小哥从窗户里扔了出去，广告牌也被来路不明的人烧毁，母亲进而烧掉了警察局。

这是第二幕的故事。

警长自杀前一夜之间的三封信，不仅仅成为故事的转折点，更对第一幕的人设，进行了相应的补完。

孤独的他们为什么他们都很偏执，是有原因的，就像这个世界上没有无缘无故的爱，也没有无缘无故的恨一样。

当我们以为这是一位伟大的母亲，为了女儿不惜怒怼警察局，当我们以为这是一位不务正业的探员，白人至上警探，电影中段我们才发现，母亲不完全是一位“好母亲”，警探也不完全是一位“坏警察”。

女儿的出走是因为母亲所致的，母亲与她争吵，并在女儿离去前诅咒其“我希望你被强奸”，结果一语成谶。

这一切的根源，就是家庭不和。

母亲长期受家暴影响，进而变得偏执，或许也是她本身性格有问题，连女儿都要离他而去搬去跟父亲住。

其前夫，以前也是一位警察。

看到这里面，观众大概明白了，母亲之所以这样偏执，还是由于内外因结合缘故。

她很自责，没有尽到一位母亲的责任，间接促成了女儿的死。

她也恨警察，有警察未能及时破获案件的原因，也有前夫曾经是警察的影响，还有小镇中警察的整体形象问题，才导致她用“三块广告牌”点燃了矛盾的导火索。

而警探的行为，基本上代表小镇警察的整体形象。

吊儿郎当、种族歧视、虐待黑人，招致大众不满。

回到家中，这位还跟着老妈生活，是一位无所事事的宅男（并有着轻微的恋母情节），还讨厌同性恋。

如果说前半段这位作威作福，是因为有着警长的“庇护”。

但警长死了之后，新的警长竟然是一位黑人，就连平日里熟悉的警局都变得陌生了。

多方原因之下，促成了他的暴走。

施暴的对象，就是广告小哥，一方面广告牌事件这位也有“功劳”，另一方面，小哥是个同性恋。

说白了，母亲与探员，他们都是孤独的。

他们与周围的环境格格不入，因为孤独产生了偏执的行为：★没有尽到母亲责任的母亲，失去女儿后的孤独，让她偏执的完成了“三块广告牌”。

★没有尽到警察责任的警探，失去警长朋友的孤独，让他偏执的出现了暴力行为。

圈子文化是什么让他们孤独，还是在于“圈子文化”。

实际上，这也属于乡镇文化，就像电影中展示的那样，一个小镇，屁大点地方就那么几个人，抬头不见低头见，而且有着历史传承问题。

电影的故事发生在密苏里州一个小镇。

很早之前这里就是黑奴种植园文化的代表地，后来该州也是种族歧视的重灾区。

2014年这里发生了一起轰动美国的大事件叫做“弗格森骚乱”：2014年8月9日，美国密苏里州弗格森镇，一名黑人青年在没有携带武器的情况下遭遇白人警察枪击身亡，评审团最后决定不起诉警察，随即引起了大规模的抗议和冲突事件。

这起骚乱基本代表了密苏里州的问题所在：种族问题和暴力执法。

所以电影中警察的行为放置在这个环境下，是很正常的，甚至警探的老妈都在说要恢复黑奴制度。

就像警长所言：如果你把所有有着种族主义的警察都开除，警察局估计就剩三个人了，剩下的估计还恐同。

★在这样的环境下，母亲被前夫（前警察）家暴，他是无处申诉的，失去女儿后，她感觉孤独，变得偏执；★而当警长死后，一名黑人警长入替，跟警探互相指责对方种族歧视，破除了当地的传统，让警探也是孤独的，变得偏执；母亲和警探，代表了失去话语权的小众群体。

当然也还与圈子格格不入的亚势力群体，比如同性恋广告小哥，被施暴；还有小恶魔饰演的侏儒，被嘲笑，他们也是孤独的。

当小恶魔面对同样孤独的母亲表达感情时，最终也失败了，悲伤情绪溢于言表。

而就像前夫的那位花瓶现任，身无长物，但就因为她是“圈内人”，才敢作威作福，用一堆大道理大肆嘲笑边缘小众群体。

警长之死要说警长，可以说是全片中最偏执的一位，也是唯一一个明白人。

他是圈子之外的，但他并不孤独，因为他是全片中，唯一一位家庭幸福美满的人。

身为警长，属下什么样、这个镇什么传统他肯定知道，他也想抓住坏人，但无能为力，因为这个圈子就是这样，乌烟瘴气。

所以他一直想要逃离这个圈子，回到家中与妻儿才是他最幸福的时候，无奈这位身患绝症活不了多久了。

他选择了自杀。

其实他完全可以不必要这么做，但他明白，只有自己的死（自杀），才可以破局，打破圈子内的既定秩序。

所以警长之死的原因，一方面为了免受病痛的折磨，另一方面他用这种方式要改变这个镇子的现状，所以他留下了三封信。

这是一个非常戏剧化的设定，三封信之后，一切都变了。

黑人警长来了，警探开始尽责了，母亲也不再偏执了，为什么是这样呢？

真的是警长之死让他们有愧于之前的行为吗？

并不是！

有原则的他们并不孤独其实熟读三封信的内容，就能明白，信件并没有改变什么，只不过是一个催化剂，真正完成变化的，还是在于自己周遭事物的影响。

偏执也好、孤独也罢，终究还是有原则的。

“原则”是马丁·迈克唐纳电影中角色的一贯特点。

就拿我非常喜欢的那部《杀手没有假期》来说，这是马丁·迈克唐纳长片处女作，个人认为从故事编排上，要好于《三块广告牌》，但内涵不如本片深入。

在那部电影中，再穷凶极恶的杀手，也是有原则的，要杀的人必须死掉，杀错了人就必须受到惩罚，所有角色的行动指南，都是建立在本分的原则之上，本片也是一样。

★尽管以前没有尽到母亲的责任，但她还是一位母亲，她会为女儿的案件付出一切代价，怼天怼地，放火烧警局，这是一位母亲的原则。

★尽管以前劣迹斑斑一身臭毛病，但他还是一位警察，那份卷宗一直在他桌上放着，甚至要从大火中救下卷宗，为了偷得DNA还挨顿揍，这是一位警察的原则。

而且，他们发现了，自己并不孤独。

母亲被找上门的前夫问责，儿子挺身而出，站在母亲的这一边，让母亲觉得，这个世界上并不是所有人离我远去，还有人为了自己，包括自己的儿子，甚至小恶魔。

警探受伤后，跟广告小哥在一间病房，后者选择原谅了他，回到家中，继续跟母亲扯淡，让他觉得，这个世界并不是所有人针对自己。

假如他们依旧自暴自弃而没有原则的话，以上这些故事都不会发生，他们依然还是会孤独且偏执下去。

所以依旧不难理解结尾之处，两位怼了整部电影的二人，一同座在车中准备去“复仇”的设定了。

因为他们有原则，身为母亲、身为警察的“原则”，让他们并不孤独。

电影第三幕，残酷的现状中，却有着些许温暖。

整部电影，饱含着愤怒、失落、悲伤和孤寂的情绪，当然还有台词和情节设定中的黑色幽默，到了最后，却有了温暖。

《三块广告牌》的故事，所有角色的动机和行为，都有有着前因后果，从而令观众完成情绪上潜移默化的转变。

好比，这部电影在大部分时间里，用黑色的手法，让人感受到现实的绝望和冷酷，却在最后10分钟内，感受到了希望和感动。

这才是好故事、好电影。

“好人难寻”广告小哥看得那本书《好人难寻》，我看不少评论中都提到了，这里简单说下。

这本书的作者弗兰纳里·奥康纳，美国南方作家，带有美国南方文学的显著特征：浓厚的历史意识、细腻的心理描写和怪诞的人物形象。

“好人难寻”这句话原是圣徒耶路撒冷的西里尔的箴言，他认为通向精神生活之路必须经过恶龙，这些龙可能把你吞噬掉。

所以奥康纳认为，通过暴力可以改变一个人，例如《好人难寻》中的沦落人就是这样。

向陌生人施加暴行使许多“沦落人”表示了愤怒，但他们同时又对促使他们愤怒的根源无动于衷。

该书其实描写了好几层现实问题，这部电影《三块广告牌》也是一样。

回溯电影的故事，所有事件和角色转换都是通过暴力事件完成的，家暴、放火、施暴、甚至自杀。

PS，山姆·洛克威尔是我非常喜欢的一位演员，从当年《霹雳娇娃》里的大反派，《绿色奇迹》里的杀人狂，再到后来的《月球》中的复制人，外表一副痞痞的样子，但演什么像什么。

其实这位当年是钢铁侠的第一人选，试镜效果极佳，导演乔恩·费儒铁了心让他演斯塔克，但档期这位档期调不开（当时他应该是在演《对话尼克松》），再加上漫威宇宙那边时间不等人，所以找了小罗伯特·唐尼，后来导演不死心，又让他演了《钢铁侠2》里的军火商。

所以，如果当时他真的演了钢铁侠，效果如何不得而知（我觉得就凭这位的表演，肯定不会差），但起码会大红大紫，但也会失去演这些精彩角色的机会了（加入漫威宇宙之后，档期基本满了），福兮祸兮？

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